Les auteur·trice.s

À la croisée des chemins artistique, linguistique et politique, Qalqalah قلقلة est une plateforme créée en 2018 par Virginie Bobin et Victorine Grataloup, et désormais co-pilotée avec Line Ajan, Montasser Drissi, Vir Andres Hera et Salma Mochtari. Elle se présente comme un espace de réflexion où la traduction sert d’outil de production et de compréhension de savoirs situés. Qalqalah est une plateforme éditoriale et curatoriale, ce qui lui permet de confronter la théorie et les formes afin de matérialiser visuellement certains paradoxes de notre culture contemporaine, comme le nivellement des langues par l’anglais, ou celui de la création artistique par la nature archétypale du white cube et de ses codes pseudo-universels de représentation.

Amanda Abi Khalil est une curatrice indépendante qui vit entre Beyrouth, Paris et Rio de Janeiro.

Ses projets curatoriaux se concentrent sur les pratiques artistiques socialement engagées. Elle est la fondatrice de TAP (Temporary Art Platform), une organisation à but non lucratif qui a pour mission d’imaginer un autre monde possible, en favorisant le changement social par le biais de l’art contemporain. Ayant vu le jour dans une région où l’instabilité est constante et les politiques culturelles absentes, TAP cherche à créer des conditions telles que les communautés, les organismes privés et les institutions gouvernementales reconnaissent dans les artistes des alliés pour la conduite d’un changement social durable dans des contextes précaires. Dans ce processus, TAP fournit des outils accessibles et des opportunités de production pour les artistes contemporains, tout en rendant leur pratique perméable et participative, dans le champ de l’art et au-delà.

Boris Achour est artiste, né en 1966 à Marseille. Il est un des fondateurs et organisateurs de Public (1999-2006), espace d’art indépendant à Paris géré par des artistes et des curateurs. En 2002, avec Claire Jacquet, François Piron et Émilie Renard, il crée la revue d’essais critiques Trouble (2002-2010). Il enseigne à l’École nationale supérieure d’arts de Paris-Cergy depuis 2010.
Son travail, qui mêle sans hiérarchie des éléments hétérogènes issus de champs culturels et formels très variés, constitue un système combinatoire ouvert et en perpétuelle évolution basé sur l’affirmation de la forme, la jubilation de la création et la puissance de la mise en relation. Il est représenté par la galerie Allen, à Paris.

Agata Adamiecka-Sitek est universitaire, chercheuse en études théâtrales, critique de théâtre et éditrice au Centre national du Théâtre Zbigniew Raszewski à Varsovie. Elle est également rédactrice de la revue Polish Theater Journal. Elle est auteure de nombreux articles et ouvrages consacrés au théâtre. Elle s’intéresse au genre, à la corporalité et à l’aspect politique de l’art.

Julien Alvard (1916 – 1977) était un critique d’art français. Il a collaboré aux revues Art vivant, Cimaise, Quadrum, Prisme des arts, Artnews. Son nom reste attaché au nuagisme, mouvement regroupant des peintres tels que Nasser Assar ou René Duvillier, dont l’œuvre conjugue le lyrisme à un certain raffinement.

Laurie Anderson (née Laura Phillips Anderson, en 1947 à Glenn Ellyn, dans l’Illinois) est une artiste expérimentale et musicienne américaine. Entre performance, arts visuels, musique et poésie, elle s’est livrée à de nombreuses expériences artistiques depuis les années 1970 en utilisant au maximum les nouveaux moyens d’expression. Considérée comme l’une des figures pionnières dans le domaine de la musique électronique, grâce notamment à l’album Big Science (1982), elle doit avant tout sa notoriété à ses œuvres multimédia, qui mettent souvent en jeu les rapports de l’être humain avec la science et la technologie.

Vanina Andréani a travaillé au Frac Provence-Alpes-Côte d’Azur de 2000 à 2007, où elle a notamment développé un programme radiophonique conçu en étroite collaboration avec les artistes invités. Basée sur des entretiens dans l’atelier, cette émission intitulée Radiogramme (diffusée sur Radio Grenouille) donnait lieu à la création d’un habillage sonore créé spécifiquement pour chaque artiste par le musicien Cyril Secq. Depuis 2007, elle travaille au Frac des Pays de la Loire situé à proximité de Nantes, et conçoit dans le cadre de la diffusion de la collection, des expositions et des événements sur l’ensemble de ce territoire. Elle s’intéresse particulièrement à la diffusion de la création dans des sites non dévolus à l’art contemporain (CHU, universités, bibliothèques, monuments historiques, etc…). Violoniste formée au conservatoire de Toulon, elle est membre du groupe de musique astrïd et collabore régulièrement avec les musiciens Sylvain Chauveau et Rachel Grimes.

Vangelis Athanassopoulos est théoricien, critique d’art et curateur indépendant. Docteur en esthétique de l’université Paris 1 Panthéon-Sorbonne, il a enseigné l’histoire de l’art, la philosophie de l’art et la théorie de la photographie et du cinéma dans diverses universités. Membre fondateur de la revue Proteus, Cahiers des théories de l’art, il en a codirigé les numéros 3 (Art et espace public), 5 (Pornographies : entre l’animal et la machine) et 10 (Le commissariat comme forme de recherche). Il est l’auteur de La Publicité dans l’art contemporain I. Esthétique et postmodernisme et La Publicité dans l’art contemporain II. Spécularité et économie politique du regard (L’Harmattan, 2009). Il a également dirigé Quand le discours se fait geste. Regards croisés sur la conférence-performance (Les presses du réel, 2018) et codirigé, avec Marc Jimenez, La Pensée comme expérience. Esthétique et déconstruction (Publications de la Sorbonne, 2016). En tant que curateur, il a conçu et réalisé la conférence-performance Le syndrome de Simushir, 2019 (Fabrica Artspace, Athènes, 2019) et a été responsable de la programmation de la vidéo de Marie Voignier et Vassilis Salpistis, Des trous pour les yeux, 2009 (galerie Cortex Athletico, Bordeaux, 2011) et de la pièce radiophonique expérimentale Carte blanche à Vangelis Athanassopoulos, 2017 (La Radio Parfaite, 2017).

Joan Ayrton (1969 – Suisse), de nationalité anglaise, est peintre, photographe, et depuis peu cinéaste, travaillant sur les frontières entre le visible et l’invisible. Depuis quelques années, son attention se porte plus spécifiquement sur le monde minéral et géologique afin de considérer les dérèglements physiques et politiques contemporains. En 2012, une bourse du Centre national des arts plastiques (CNAP) lui permet de développer ses recherches en Islande. En 2014, elle est commissaire de l’exposition Glissements de terrain, cartographie, pensée, paysage, à la galerie La Box à Bourges. En 2018, elle initie un cycle de projections et rencontres sur le paysage minéral aux Beaux-arts de Paris dans le cadre de la programmation culturelle. Quelques exemples récents d’expositions personnelles et collectives : A soft mellow Tinge dans l’édition 2018 de L’art dans les Chapelles (commissariat Éric Suchère) ; Slow Melody Time Old à la galerie Florence Loewy en 2017, (…) aide à la vision, en strié sur les ondes lunaires, à rétrodiffusion ; En grand : en petit, en duo avec Benjamin L Aman aux Instants Chavirés à Montreuil en 2017 (commissariat Marie Cantos). Joan Ayrton enseigne à la Villa Arson (Nice). Elle est représentée par la galerie Florence Loewy à Paris.

Camille Azaïs est critique d’art et auteure de fictions. Ancienne élève de l’Ecole Normale Supérieure de Lyon, elle collabore régulièrement à des revues spécialisées et écrit pour des institutions. Elle enseigne dans le Master « édition » de l’Esam de Caen autour de l’écologie et du livre d’artiste. En 2014 et 2017, elle organise deux expositions à la galerie Florence Loewy, Paris. En 2017, elle fonde la revue Ingmar, dédiée à l’écriture de fiction dans le champ des arts visuels. Elle est lauréate en 2020 de l’aide à l’écriture et à la publication d’un essai critique (INHA/Institut Français) pour une recherche sur l’art et la ruralité. Parallèlement à son engagement dans le champ de l’art contemporain, Camille Azaïs écrit également pour la radio (« Michael Jackson », Les Feuilletons de France Culture, 2019) et le théâtre (« Minimal », texte dramatique ayant reçu l’Aide à la création, catégorie « encouragements », Artcena en 2020).

Diplômée de l’E.N.S.P. (Arles), Caroline Bach a soutenu, en décembre 2019, une thèse en histoire de l’art : « Quand l’art contemporain s’intéresse à l’économie : espaces de travail et formes économiques en question », sous la direction de Frédérique Villemur. Elle est rattachée au LIFAM (ENSA-Montpellier). Ses derniers textes parus sont : « Rencontre de deux imaginaires », (Office ET Culture, n° 47, mars 2018), « Innovation, open space et stratégies photographiques » (in Formes de l’innovation, Innovations de la forme. Actes de la journée d’études doctorales – 4 juillet 2016, Montpellier, Éditions de l’Espérou, 201) et « Les Différents temps de Bataville »,(Office ET Culture, n° 44, juin 201). Elle poursuit par ailleurs une activité artistique : l’ouvrage Dites-nous comment survivre à notre condition est sorti aux éditions LOCO (2015) avec un texte de Dominique Baqué « Témoigner des luttes ouvrières ». Elle prépare une exposition « Laboratoires », qui se tiendra à la Progress Gallery en juin 2021. Elle y intègrera un « lab d’échanges » – une conférence-performance – intitulée La disputatio #1 et qu’elle animera. « Laboratoires » servira de prototype pour d’autres projets d’exposition.

Pierre Bal-Blanc est un commissaire indépendant et essayiste basé à Athènes et Paris. Il a conduit le commissariat de la documenta 14 en 2017 à Athènes et Cassel auprès de Adam Szymczyk où il a développé entre autres “Collective Exhibition for a Single Body”. Il a récemment présenté “Der Canaletto Blick- The Canaletto View” pour la banque Erste Group Bank AG, la collection Kontakt à Vienne en Autriche (catalogue Walther könig 2019) et “Soleil politique”, une exposition réalisée pour le Museion à Bolzano en Italie (catalogue Paraguay press, 2015). Il a été directeur du CAC Brétigny en banlieue parisienne où il a développé de 2003 à 2014 le “Projet Phalanstère” (catalogue Sternberg Press, 2017). Sa séquence d’expositions “La Monnaie vivante/Living Currency” adaptée de l’essai de Pierre Klossowski (CAC Brétigny/Micadanses, 2005–06; Stuk Leuven, 2007; Tate Modern Londres, 2008 ; MoMA Warsaw and Berlin Biennale, 2010) et “Draft Score for an Exhibition”(Le Plateau Paris, Artissima Torino, Secession Vienne, 2011 ; Index Stockholm, 2012; catalogue NERO Publisher Rome, 2014) croisent les analyse actuelle et historique du corps dans le champ de la performance et des arts visuels. Les trois chapitres de l’exposition “Réversibilité- un théâtre de la dé-création” (Frieze Art Fair, 2008; CAC Brétigny, 2010; Peep Hole Milan, 2012; catalogue Mousse Publishing, 2012) abordent la matérialité de l’objet d’art. “The Death of the Audience” (Secession, Vienna, 2010; catalogue Ver Sacrum Verlag Niggli AG Sulgen/Zurich, 2011) révèle enfin le processus d’émancipation et d’aliénation entre les figures de l’artiste et du spectateur.

Diplômée de l’Université Paris 1 en Théorie du cinéma puis des Beaux-Arts de Paris, Eva Barto participe ensuite au programme de Post-Diplôme international de L’Ensba Lyon en 2014. Son travail à fait l’objet de plusieurs expositions personnelles, à la galerie gb agency (Paris, 2016) ainsi qu’au Centre d’Art de la Villa Arson (Nice 2016) et prochainement au Kunstverein Nuremberg ainsi qu’à la KunstlerHaus de Stuttgart (2020). Son travail à également été présenté dans plusieurs expositions collectives en France et à l’étranger, notamment à la galerie Marcelle Alix (Paris, 2015), à la Biennale de Rennes (2016), à Kadist Foundation (Paris, 2016), à la Fondation d’Entreprise Ricard (Paris, 2017, 2019), au Wattis Art Center (San Francisco, 2017) à la galerie Max Mayer (2018), au musée de la Secession (Vienne, 2018) ainsi qu’à la Biennale d’Anafi (Grèce, 2019) et prochainement au Grand Café (Saint-Nazaire, 2020). En 2016 elle crée le projet éditorial Buttonwood.Press. Elle est fondatrice du collectif La Buse et co-anime l’émission ForTune sur *DUUU Radio avec Estelle Nabeyrat. Depuis 2019, elle est enseignante à l’ENSBA Lyon.

Julien Bécourt est critique d’art et journaliste. Après un cursus en arts plastiques, il bascule vers la critique et cherche à tisser des liens entre art contemporain, expanded cinema et culture DIY. Il a conduit de longs entretiens avec des figures majeures ou émergentes de l’art, de la musique post-punk et du cinéma dans des revues aussi diverses que Mouvement, Vice, New Noise, artpress ou Grazia. Anciennement DJ sous le pseudonyme Eva Revox, il se dirige aujourd’hui vers l’écriture cinématographique, tout en poursuivant ses investigations dans le monde de l’art. Il anime l’émission mensuelle Entente Cordiale sur LYL Radio.

Laurence Bertrand Dorléac a rédigé deux thèses, en histoire de l’art (Université Paris 1-Sorbonne, 1984) et en histoire (Institut d’études politiques, 1990). Professeure et chercheuse au Centre d’histoire de Sciences Po, elle y dirige le séminaire Arts et Sociétés et la Lettre du séminaire. Elle est l’auteure de nombreux textes dont : Histoire de l’art. Paris 1940-1944, Publications de la Sorbonne, 1986 ; L’Art de la défaite. 1940-1944, Seuil, 1993, rééd. 2010 et 2012. L’ordre sauvage. Violence, dépense et sacré dans l’art des années 1950-1960, 2004 ; Art of the Defeat. France 1940-1944, trad. Jane Mary Todd, Getty Research Institute, 2008 ; Après la guerre, Gallimard, 2010 ; Contre-déclin. Monet et Spengler dans les jardins de l’histoire, Gallimard, 2012 ; Nach der Befreiung. Frankreich und die Kunst (1944-1947), trad. Tom Heithoff, Deutscher Kunstvergal, 2016 ; Pour en finir avec la nature morte, Gallimard, à paraître en novembre 2020.

Depuis 2012, elle pratique l’exposition au Musée comme un lieu de recherche fondamentale susceptible d’être largement partagée. Elle a été commissaire avec Jacqueline Munck de L’art en guerre, France 1938-1947 au Musée d’Art moderne de la Ville de Paris, 2012 et au Musée Guggenheim de Bilbao, 2013 ; avec Maurice Fréchuret de l’exposition Exils, Musées nationaux Picasso, Léger et Chagall, 2012 ; Les Désastres de la guerre. 1800-2014, Louvre-Lens, 2014 ; Artistes & Robots avec Jérôme Neutres au Grand-Palais (2018). Elle travaille actuellement à une exposition sur LES CHOSES. Une histoire de la nature morte depuis la préhistoire au Louvre (automne 2022).

Docteure en sociologie et chercheure associée au CERLIS, Anne Bessette est l’auteure d’une thèse intitulée « Du vandalisme d’œuvres d’art : Enjeux et réceptions. Destructions, dégradations et interventions dans les musées en Europe et en Amérique du Nord depuis 1970 », préparée à l’Université Sorbonne Nouvelle – Paris 3 et soutenue en 2018. Après un contrat d’enseignant chercheur avec l’université de Cergy en 2019-2020, elle a mené des enquêtes ayant trait aux pratiques culturelles pour le ministère de la culture et pour le musée du Louvre.

Bruce Bégout, né le 21 mai 1967, est un philosophe et écrivain français. Il est maître de conférences à l’université Bordeaux III. Il a publié plusieurs ouvrages philosophiques, quatre essais aux éditions Allia (Zéropolis. L’expérience de Las Vegas, 2002 ; Lieu commun. Le motel américain, 2003 ; La Découverte du quotidien. Éléments pour une phénoménologie du monde de la vie, 2005 ; De la décence ordinaire, 2008), mais aussi un « documentaire fiction » à la manière de certains cinéastes tiré de son roman L’Éblouissement des bords de route (éditions Verticales, 2004). Par ailleurs, il a participé à la revue Inculte avant de la quitter en février 2008. En 2013, il publie aux éditions Inculte Suburbia, un essai sur les banlieues essentiellement résidentielles qui s’étendent à la périphérie des villes. En parallèle à ses recherches, il dirige la collection « Matière étrangère » aux éditions Vrin. Spécialiste de Edmund Husserl auquel sa thèse est consacrée, il se consacre à l’exploration du monde urbain, des lieux communs, mais aussi au quotidien. Également auteur de fiction, il a publié un recueil de nouvelles, Sphex, en 2009 ainsi que Le ParK en 2010. En janvier 2014, c’est à nouveau un recueil de nouvelles qu’il publie aux éditions Allia, L’Accumulation primitive de la noirceur. Il livre dans Duane Hanson, le rêve américain son point de vue sur le sculpteur américain et ses réalisations.

Artiste plasticien, scénariste et réalisateur, Pierre Bismuth vit et travaille à Bruxelles. Caractérisée par une réflexion ouverte sur le statut de l’œuvre d’art, sa pratique analyse la représentation et la réception critique des productions au moyen de gestes et d’interventions jouant de déplacements, de détournements ou d’appropriations. Se développe l’idée que c’est en manipulant simplement la définition communément donnée aux choses que l’on en change la perception. Sphère privée/sphère publique, histoire de l’art, langage, image, cinéma, culture populaire, identité sont autant de thèmes déployés dans ses pièces depuis la fin des années quatre-vingt.

Nathalie Blanc est tour à tour graphiste, rédactrice en chef, chercheur au CNRS sur les questions d’environnement et poète-géographe. Le recueil Mémoires climatiques, élaboré à partir d’une expérimentation participative sur les berges de Seine, a donné lieu à une performance à la Gaîté-Lyrique, dans le cadre d’ArtCop21, en juillet 2015. Elle a contribué aux numéros 12 et 18 d’Espace(s).

Adrien Blouët est né en 1992. Au cours de ses études d’art, il découvre l’anthropologie et décide de se tourner vers l’écriture. Il publie des récits mêlant errance et pèlerinages, questionnant ce qui fait ou empêche notre sentiment d’appartenance à des lieux, ainsi que l’avenir du nomadisme, des voyages et de leur écriture à l’heure du tourisme de masse et des grandes migrations. Ces textes sont consultables en ligne sur www.mananava.land. Il vit en ce moment à Shanghai, où il travaille dans le cadre du programme de recherche Création et mondialisation de l’École Offshore.

Virginie Bobin travaille au croisement de la recherche, des pratiques curatoriales et éditoriales, de la pédagogie et de la traduction. Particulièrement concernée par des réflexions sur le soin, l’économie de l’art, la maintenance et l’hospitalité, elle s’efforce de créer des conditions et des situations de travail où la durabilité des engagements et des échanges de savoirs prime sur la visibilité ; et où puissent s’épanouir amitiés, soutien et attention aux autres, qu’il·elle·s soient artistes, curateur·trice·s, chercheur·e·s, salarié·e·s d’institutions artistiques, étudiant·e·s ou « publics ». Depuis 2018, elle mène une recherche doctorale dans le cadre du PhD-in-practice en recherche artistique de l’Académie des Beaux-Arts de Vienne. La même année, elle co-fonde avec Victorine Grataloup l’association QALQALAH قلقلة, plateforme d’échanges artistiques, de recherche et de traductions. Elle collabore avec les artistes Mercedes Azpilicueta et Franck Leibovici autour de projets éditoriaux et curatoriaux. Auparavant, elle a été Responsable des programmes de la Villa Vassilieff, lieu de résidences, de recherche et d’expositions qu’elle a co-créé en 2016. Elle a travaillé pour Bétonsalon – Centre d’art et de recherche, le Witte de With Center for Contemporary Art (Rotterdam), Manifesta Journal, Les Laboratoires d’Aubervilliers et Performa, la Biennale de Performances de New York. Ses projets curatoriaux et de recherche ont été présentés dans des institutions internationales, telles que Centro Centro, MoMA PS1, e-flux spaceo Tabakalera.

Amalina Bomnin Hernández est écrivaine, conservatrice et professeur fondatrice de l’Université des Arts de Guayaquil, en Équateur, où elle enseigne au Département transversal des théories critiques et des pratiques expérimentales.

Après avoir suivi un double cursus en histoire de l’art et en langue, littérature et civilisations étrangères, Agate Bortolussi a été diplômé du Master Patrimoine et Musées de l’Université de Bretagne Occidentale en septembre 2019. Elle est aujourd’hui Artist-liaison à la galerie Georges-Philippe & Nathalie Vallois à Paris.

Patricia Brignone est critique et docteure en histoire de l’art, avec un intérêt marqué pour les pratiques scéniques au croisement de diverses disciplines. Collaboratrice pour de nombreux supports (artpress, Mouvement, Critique d’art, France-Culture), elle est aussi l’auteure d’ouvrages : Ménagerie de Verre, Nouvelles pratiques du corps scénique (éd. Al Dante, 2006) ; Du dire au faire (éd. Musée du MAC/VAL de Vitry-sur-Seine, 2012), ainsi que de divers textes de catalogues : Ne pas jouer avec des choses mortes (Villa Arson, Les presses du réel, 2009); La performance : vie de l’archive et actualité (éd. Les presses du réel, 2013) ; Uchronia – Duplicate > Do not create – Infiltrate – Do not exhibit…, sld d’Annie Vigier & Franck Apertet [les gens d’Uterpan], (Sternberg Press, 2017) ; Esther Ferrer (MAC/VAL – Frac Bretagne, 2014) ou encore Esther Ferrer, Todas las variaciones son válidas, incluida esta, (Museo Reina Sofia, Madrid, 2017-2018). Co-commissaire de l’exposition SIGMA au CAPC musée d’art contemporain de Bordeaux (2013-2014), elle est aussi co-auteur d’un film, avec Pascale Cassagnau, autour des artistes de la galerie Eric Fabre : La parade des objets. Elle enseigne par ailleurs l’histoire et la théorie des arts à l’École supérieure d’art et de design de Grenoble.

Estelle Brousse étudie les pratiques artistiques contemporaines engagées féminines dans les contextes post-coloniaux. Titulaire d’un master recherche en Histoire de l’Art parcours arts et mondialisation à l’Université Lyon II, au printemps 2018, elle séjourne en Afrique du Sud pour s’entretenir avec des artistes et commissaires d’exposition tout en effectuant des recherches aux Archives Gays et Lesbiennes de Johannesburg (GALA). En 2019, elle termine son mémoire intitulé « Engagements féminins : les artistes sud-africaines défient une histoire de l’art occidentale » dirigé par Laurick Zerbini. Elle est actuellement étudiante en master Expographie-Muséographie à l’Université d’Artois à Arras.

Marie Canet est critique d’art et programmatrice de film et de vidéo. Elle a collaboré avec des institutions telles que le Musée d’Art et d’Histoire du judaïsme ou le Centre Pompidou (Paris), le Credac (Ivry), le Frac Aquitaine (Bordeaux), Flat Time House ou la Tate Modern (Londres). Son dernier ouvrage paru est Juntos en la Sierra, Speech Act, identités et globalisation (Shelter Press, 2018). Elle travaille actuellement à la rédaction d’une monographie consacrée à l’œuvre de Marc Camille Chaimowicz. Elle enseigne l’esthétique aux Beaux-arts de Lyon.

Max Cegielski (né en 1975) est écrivain et journaliste, co-commissaire des projets Polish-Indian shop (Warsaw, Bombay 2017), Global Prosperity (Gdańsk 2010), et commissaire de Migrating University of Mickiewicz (Istanbul 2014). Auteur de sept ouvrages dont Mozaika. Śladami Rechowiczów, il reçoit en 2009 le prix Beata Pawlak pour son livre sur Istanbul sous le titre Oko świata. Son dernier livre paru est Wielki Gracz. Ze Żmudzi na Dach Świata. Il est co-invité du programme TVP Kultura et a reçu le prix Grand Press.

Au gré de ses formations théoriques, de ses expériences artistiques et de ses engagements sociaux auprès d’associations, Ève Chabanon (né·e en 1989, vit et travaille à Bruxelles) a forgé une pratique hybride afin de mettre en perspective le rapport au travail et aux constructions collectives, politiques et économiques au travers de collages d’éléments mêlant textes, films, céramiques et objets sculpturaux. Elle est diplômée de la Haute École des Arts du Rhin (HEAR) à Strasbourg (2013) et d’un master d’études curatoriales de la Sorbonne à Paris (2014). En 2016 iel participe à l’Open School East, Londres/ Margate. Iel a été artiste en résidence à White House, Dagenham (2017), au FRAC Grand Large à Dunkerque (2018), à Te Whare Hēra, Wellington, Nouvelle Zélande (2019), et à Moly Sabata (2020). En 2018, iel a obtenu le Prix Science Po pour l’Art Contemporain pour son projet The Anti-Social Social Club: Episode One, The Chamber of the Dispossessed. En 2021, la quatrième étape de son projet du Surplus est exposée au Beurschouwburg, Bruxelles, suite aux éditions présentées à Westfälischer Kunstverein, Münster, Bétonsalon, Paris (2020) et Lafayette Anticipations, Paris (2018). Son travail a aussi fait partie d’exposition à Massy University, Wellington 2019), à Lafayette Anticipations, Paris (2019) au CAC Chanot, Clamart (2019), Palais de Tokyo, Paris (2018), à La South London Gallery (2018) ou encore au Parc Saint Léger (2016).

Le travail artistique de Jean-François Chermann a fait l’objet de plusieurs expositions personnelles. En 2005 à la Galerie Almine Rech (Paris) « Premier congrès de l’esthétique relationnelle médicale » avec Eric Caillon ; en 2011 «16 stations» et 2014 « Dreamy-made » à la Galerie Jean-François Meyer (Marseille) ; en 1997 « Le musée criminel », invité par Pierre Jean Sugier et Nicolas Michelin à l’école des Beaux-Arts de Rueil Malmaison ; en 1994 « Le musée imaginaire » à la Galerie du Haut Pavé (Paris) et au Centre culturel français de Tanger ; en 1989 « Autour des Résidents » aux Établissements phonographiques de l’est (Paris). Son travail a également été présenté dans des expositions collectives : en 2012 « Le Phénomène des petites madeleines », exposition Mémoires Vives, Musée d’art et d’histoire de Saint-Denis ; en 2000 « Le syndrome frontal du touriste », exposition « Une œuvre, un critique, un artiste » invité par Anne-Marie Morice au Musée des Beaux Arts de Louviers ; en 1996 « Mad cow game », installation d ‘un stand de tir au « Cirque 96 », Cirque d’hiver (Paris), invité par François Mitaine. Il a enfin accompli de nombreuses performances comme en 2011 « Oval Recolection », Festival Hors-Piste, commissaire Géraldine Gomez, Centre Georges Pompidou Paris ; en 2009 « Le syndrome de Fregoli » à la Force de l’Art, Grand Palais, invité par Anne-Marie Morice ; en 2004 « Dysfonctionnement du lobe frontal des artistes présentation conférence et exposition de Neuromix », Espace Paul Ricard Paris ; en 2003 « Les pathologies neuropsychiatriques rencontrées au cours de la pratique d’internet », invité par Eric Mangion création radiophonique, FRAC Provence-Alpes-Côte d’Azur ; en 2002, présentation de vidéos (« éloge du comportementalisme », « Graceland », « le syndrome frontal du touriste »), cinéma du centre Georges Pompidou (festival Polyphonix). 2005 : publication du livre « L’esthétique relationnelle médicale » aux Éditions Fage.

David Christoffel, membre du comité de rédaction de la revue Espace(s), invite, une fois par mois, l’un de ses auteurs ou artistes pour aborder l’une des grandes questions qui animent le NewSpace. Ces invités mobilisent leur expertise culturelle de l’Espace et spéculent sur le futur d’une humanité spatiale du point de vue de la littérature et de la création.

Alexis Cicciù (né en 1984 à Varese, Italie) vit et travaille à Menton, France. Il a étudié au Pavillon Bosio, École supérieure d’arts plastiques de la Ville de Monaco et à l’Ecole Supérieure d’Art Annecy Alpes. Entre chamanisme et bestiaire, sa pratique se montre comme performative mais il se sent avant tout sculpteur. Fasciné par la nature et la biologie, il est passionné de taxonomie, et s’avère à la fois éleveur d’insectes et collectionneur. Il a vécu quelques temps à Bruxelles où il a rencontré la galerie Abilene. Deux performances sont nées de cette collaboration en 2012 et 2013. Le Couac a organisé sa première exposition personnelle à Villeurbanne en 2014. En 2015 et 2016, il a participé à Nomad Workshop, une résidence à Wiltz et au Casino Luxembourg – Forum d’art contemporain, au Luxembourg. En 2018, il a participé à hydrogYnesis, une exposition collective sur le thème de la mer et des sirènes, au Metaxu, à Toulon https://alexiscicciu.blogspot.com

Luc Clément évolue dans le monde de la communication, des grands groupes (Havas, Publicis) aux structures indépendantes, avant de fonder sa propre agence à Nice. Expert en histoires de marques, il possède une solide connaissance des univers de la création. En 2001, il crée Le Dojo, espace expérimental d’art contemporain où il collabore avec de nombreux artistes, plasticiens, musiciens sur des projets in situ, explorant les points de rencontre et interactions entre la sphère artistique et celle de l’entreprise privée. De ces collaborations sont nées des productions originales d’artistes tels que Céleste Boursier Mougenot, Matthieu Mercier, Nicolas Moulin, Vincent Epplay ou encore, en association avec Arnaud Maguet, des performances de Jac Berrocal, Xavier Boussiron, Lee Ranaldo, Aki Onda et bien d’autres. Il est aujourd’hui éditeur délégué et directeur de la rédaction des magazines Marie Claire et Marie Claire Maison Méditerranée.

Anna Colin est curatrice indépendante, éducatrice et chercheuse basée à Deal dans le Kent en Grande-Bretagne. En parallèle de ses activités qui nouent le curatorial au pédagogique et qui investissent peu à peu l’environnement naturel et les espaces ouverts, elle se forme à l’horticulture et au paysagisme, tout en étant doctorante à la School of Geography de l’Université de Nottingham. Ses recherches doctorales examinent la notion d’alternative dans les structures pédagogiques à publics multiples, de la fin du 19ème siècle au présent, en Grande-Bretagne et au-delà. Elle a co-fondé et dirigé Open School East, une école d’art indépendante et un espace communautaire à Londres puis Margate (2013-20). Elle a été curatrice associée à Lafayette Anticipations à Paris (2014-20), directrice associée à Bétonsalon – Centre d’art et de recherche, Paris (2011-12) et curatrice à Gasworks, Londres (2007-10). Elle a réalisé des expositions à CA2M, Móstoles/Madrid ; Whitechapel Gallery, Londres ; Victoria Gallery & Museum, Liverpool ; Contemporary Image Collective, Le Caire ; GAM, Turin ; La Synagogue de Delme, Delme ; Le Quartier, Quimper ; La Maison pop, Montreuil ; et The Women’s Library, Londres, entre autres lieux. En 2015-16, Anna a été co-curatrice avec Lydia Yee de l’exposition itinérante British Art Show 8 (Leeds, Édimbourg, Norwich et Southampton). En septembre 2021, elle commence un poste de professeur au sein du master en curating à l’université de Goldsmiths. Son site web

Sylvie Coëllier est Professeure émérite en histoire de l’art contemporain de l’Université d’Aix-Marseille. Membre du Laboratoire d’Etudes en Sciences des Arts, elle dirige la collection ARTS aux Presses Universitaires de Provence. Elle est auteure et co-directrice de plusieurs ouvrages, d’articles et de textes de catalogues concernant les croisements entre les pratiques artistiques, les thématiques engageant la sculpture, le corps, la performance, et les aspects théoriques qui les accompagnent. Elle a publié Lygia Clark (L’enveloppe). La fin de la modernité et le désir du contact, collection « Histoire et idées des arts », Paris, l’Harmattan, 2003, et dirigé notamment Des émotions dans les arts aujourd’hui (PUP, collection 1, 2015), et La performance, encore (PUP, coll. ARTS, 2016).

Laurence Corbel est enseignante-chercheuse en esthétique et philosophie de l’art à l’université Rennes 2. Ses recherches portent actuellement sur les formes orales des discours d’artistes : elle a co-dirigé Paperboard. La conférence performance, artistes et études de cas, T&P Work Unit (2021) et La conférence comme performance : formes et actes du discours (XIXe – XXIe siècles), revue Déméter, n° 5, Été 2020 – Hiver 2021. Elle a notamment publié Le Discours de l’art de l’art. Écrits d’artistes (1960-1980) aux presses universitaires de Rennes (2012) ainsi que des articles consacrés aux écrits d’artistes dans toutes leurs dimensions théoriques, critiques, performatives et fictionnelles et aux transferts entre arts, littérature, philosophie, sciences humaines et sociales.

Thomas Corlin est journaliste culturel, en presse, web et radio. Il couvre théâtre et musique pour Mouvement, Libération, les Inrocks, France Culture ou Tsugi, et l’actualité professionnelle du secteur culturel pour Culture Matin, site ouvert de la plateforme News Tank Culture.

En 2012, Zoé Cosson intègre l’Ecole Supérieur d’art et de design de Reims où elle développe une pratique hybride à l’intersection de la vidéo expérimentale, du documentaire et de l’écriture. Le plus souvent lié à des espaces circonscrits, son travail explore les attitudes induites par l’environnement, et en miroir, les mouvements susceptibles de le façonner. Après l’obtention d’un DNSEP en 2018, sa vidéo Salle d’attente est exposée au vidéo-club du FRAC Champagne-Ardennes. La même année, elle intègre le Master de Création Littéraire du Havre où elle travaille à l’élaboration d’un roman de non fiction nourri d’archives iconographiques, de souvenirs et d’interviews récoltés in situ dans un village ariégeois. La porte de montagne, un extrait de ce texte, est publié dans la revue Artichaut en 2019. Parallèlement, elle continue de collaborer avec de jeunes artistes, notamment avec First Laid qui édite actuellement le récit de sa rencontre avec les astrophysiciens du Paris Centre for Cosmological Physics dans le cadre de l’exposition Ce qui ne tourne pas, tombe.

Alfredo Cramerotti est écrivain, conservateur et radiodiffuseur. Il est directeur de MOSTYN, au Pays de Galles, et conseiller auprès du Comité d’acquisition des arts visuels du British Council et de la Fondation des institutions artistiques du XXIe siècle. Ses activités de commissaire indépendant comprennent trois pavillons nationaux à la Biennale de Venise (2015 et 2013), la biennale Séquences VII Reykjavik, Islande (2015) et Manifesta 8, Région de Murcie et Carthagène, Espagne (2010). Il est l’éditeur de la série de livres Critical Photography depuis 2009, et ses propres publications comprennent Forewords : Hyperimages et hyperimagerie (2018), Cartographier la ville : (2018), Unmapping the City : Perspectives of Flatness (2010) et Aesthetic Journalism : How to Inform without Informing (2009).

Edit DeAk (1948 – 2017) était une critique d’art et écrivaine américaine d’origine hongroise, cofondatrice de la revue Art-Rite ainsi que de la librairie à but non lucratif et du distributeur de livres d’artistes, Printed Matter, Inc. Elle a écrit pour de nombreuses revues d’art basées à New York. Artforum, Interview, ZG, Art Random, entre autres.

Historienne de l’art contemporain, Sandra Delacourt est chercheuse associée à l’HiCSA (Université Paris 1 Panthéon-Sorbonne) et professeure à l’ESAD TALM-Tours. Préoccupés par les phénomènes d’émergence qui opèrent dans le champ de l’art, ses travaux portent sur les processus de reconnaissance artistique, les régimes politiques du visible, ainsi que la construction des savoirs et récits historiques. Parmi ses publications : L’artiste-chercheur, un rêve américain au prisme de Donald Judd (B42, 2019), Bruno Serralongue, Les Naturalistes en lutte sur la ZAD de Notre-Dame-des-Landes (GwinZegal, 2019), Le Chercheur et ses doubles (B42, 2016).

Nathalie Desmet est théoricienne de l’art, critique d’art et commissaire d’exposition. Maîtresse de conférences en Théories et Pratiques de l’art contemporain à l’université Paris 8 Vincennes Saint-Denis, elle mène ses recherches sur l’exposition et les pratiques curatoriales en s’intéressant à leurs dimensions tant pragmatiques, que théoriques et idéologiques. Ses recherches sur l’exposition ont d’abord été consacrées aux expositions vides et aux discours qui leur permettent d’exister, avec une thèse de doctorat en Arts et Sciences de l’art qu’elle a soutenue en 2012 (Université Paris 1 Panthéon-Sorbonne). Ses recherches s’orientent actuellement vers les formes paracuratoriales et postcuratoriales dans lesquelles l’exposition n’est plus centrale. Dans ce contexte, la critique institutionnelle, la production et la circulation des connaissances l’intéresse particulièrement. La question de la transmission, primordiale dans ses pratiques, s’inscrit aussi dans l’enseignement qu’elle donne à l’université. Elle y défend le commissariat d’exposition et la critique d’art comme des pratiques disciplinaires à part entière. Elle développe également une pratique de co-construction d’exposition (« Miroir ô mon Miroir », Paris, Pavillon Carré de Baudouin ; « Go Canny! Poétique du sabotage », Nice, Villa Arson, programmation des expositions des Barreaux (Paris, Grands Voisins)…). Elle est membre de C-e-a et de l’AICA. Elle est également correspondante à Paris pour la revue esse (Montréal).

Juliette Desorgues est curatrice et auteure indépendante. Elle vit et travaille en France et au Royaume-Uni. Parmi ses projets récents, on peut citer, entre autres, les expositions ‘This future is unthinkable. Yet here we are, thinking it’, Damien & the Love Guru, Bruxelles, 2019 ; ‘Hypersea’, artmonte-carlo, 2018, ainsi que l’exposition et la publication ’Helen Johnson : Warm Ties’, Artspace, Sydney et ICA, Londres, 2018. Elle a travaillé auparavant comme Curatrice Associée à l’Institute of Contemporary Arts, Londres et a assuré des fonctions de commissariat à la Barbican Art Gallery, Londres et la Generali Foundation, Vienne. Elle a étudié l’histoire de l’art à l’Université d’Édimbourg, l’Université de Vienne et l’University College London.

DISNOVATION.ORG [aka. disobedient innovation] est un groupe de travail basé à Paris. Au croisement entre art contemporain, recherche et hacking, il développe des situations d’interférence, de débat et de spéculation visant à détourner l’idéologie de l’innovation afin de stimuler l’émergence de récits alternatifs, au travers d’une série d’investigations, d’œuvres et de détournements critiques. Le groupe mène en parallèle une activité d’édition, notamment avec The Pirate Book, conçue comme une anthologie sur le piratage de contenus culturels. Initié par Nicolas Maigret et Maria Roszkowska, ce groupe fonctionne sous des configurations variables selon les différents projets et recherches. Predictive Art Bot, un algorithme de prédiction et de subversion des tendances artistiques émergentes, a été réalisé avec Jérôme Saint-Clair (artiste et développeur) et Dasha Ilina (artiste). Shanzhai Archeology, une collection d’objets technologiques hybrides et non normés qui invite à reconsidérer la normalisation des imaginaires technologiques occidentaux, a été réalisé avec Clément Renaud (chercheur) et Hongyuan Qu (designer).

Guillaume Désanges est commissaire d’exposition et critique d’art. Il dirige Work Method, structure indépendante de production. Il développe internationalement des projets d’expositions et de conférences. Derniers projets : “Ballistic poetry” (2016, La Verrière, Fondation d’entreprise Hermès, Brussels), L’esprit français, Countercultures, 1969-1989 (2017, La maison rouge – Fondation Antoine de Galbert, Paris), The Enemy of my enemy (2018, Palais de Tokyo, Paris), Chroniques de l’invisible (2020, Le Grand Café, Saint-Nazaire), Invisible Concern, Ismaïl Bahri, (2019, Le Forum, Tokyo), Barbara Chase-Riboud (2020, La Verrière, Fondation d’entreprise Hermès, Brussels), Absalon, Absalon (2021, CAPC, Bordeaux).

Jean-Marie Durand est journaliste indépendant. Rédacteur en chef adjoint aux Inrockuptibles de 1997 à 2018, responsable successif des rubriques « médias », « débat d’idées » et « art », il collabore aujourd’hui pour divers médias (France Culture, The Art News Paper, La Revue du Crieur, Télérama, Beaux Arts…). Il a publié plusieurs essais : Homo Intellectus, enquête hexagonale sur une espèce en voie de réinvention (La Découverte, 2019) ; 1977, année électrique (Robert Laffont, 2017) ; Le cool dans nos veines, histoire d’une sensibilité (Robert Laffont, 2015).

Vincent Epplay, plasticien/musicien, élabore depuis le début des années 90 un travail d’expérimentation à partir d’une pratique indissociée des arts visuels et de la musique. Son travail propose des situations d’écoute d’amplification sonore et visuelle à travers la réalisation de parcours ou d’espaces d’immersion. La notion d’usage et d’implication du spectateur/auditeur sont les préoccupations que l’on retrouve dans plusieurs de ses projets : « À usages uniques » (Public>), « Jukebox pour musique sans titre » (Palais de Tokyo), « Cabine d’écoute » (Centre Georges Pompidou), « Station des ondes » (Le 104), « No descriptive méthode » (le Dojo, Nice), « Unholy Copy » (Haus, Nantes), etc. Depuis une dizaine d’années il se produit régulièrement en concert, en solo ou en collaboration, dans différents festivals en Europe ; avec Jac Berrocal & David Fenech en trio, le groupe Bader Motor et avec Samon Takahashi en ciné-mix sur les films inédits de Pierre Clémenti. Il interroge les rapports sons/images avec les projets Mnémotechnie, Xénoglossie Radio, et Étude au microsillon ; ou en ciné/concerts sur les films inédits de Pierre Clementi, Mody Bleach (reprise du film « Moby Dick » de John Huston) avec le groupe de cinéma expérimental MTK, pour Nanouk l’Esquimau de R. Flaherty en collaboration avec Sébastien Roux, et pour le festival Hors pistes à Beaubourg sur les films de Jean Painlevé. Il a édité une dizaine d’albums pour différents labels : Blackest Ever Black, AKA, Brocolis, LDDR, Planam ; et continue à archiver des disques sans musique, des films 8 mn de méthodes et d’enseignement pédagogique, et des enregistrements ou documents papiers sans qualités d’auteurs avérées.

Pour Jean-Baptiste Farkas, la pratique de l’art remet en cause les notions et statuts d’artiste, d’œuvre et de lieu d’exposition. Il invite quiconque à accomplir des tâches précises sous la forme de services dont l’objectif sous-jacent est de déstabiliser les ordres établis : mettre hors d’usage un fragment d’habitat, ralentir la cadence d’un travail ou encore mentir. Ses projets collaboratifs ont pour nom IKHÉA©SERVICES (1998), Glitch, Beaucoup plus de moins ! (2002) et PRACTICES IN REMOVE (2015).

Frédéric Ferrer est auteur, acteur, metteur en scène et géographe. Il crée des spectacles nourris d’enquêtes de terrain et de sources documentaires qui traitent de territoires inattendus et décalés. Ses deux dernières créations sont Borderlines Investigation 1 (2018) et Olympicorama (2019).

Marie Fouquet est journaliste au Magazine littéraire et critique indépendante. Elle a signé des articles pour les revues Mouvement, Reliefs, Trax, Chronic'art, Alternatives économiques, et plus récemment, pour En attendant Nadeau. Au carrefour de la culture académique et des contre-cultures, elle a co-animé – avec Laura Boullic, Anne Kawala, Élodie Petit… –, l'événement mensuel « Poésie civile » (2016-2018) dans le cadre de l'université libre du DOC ! à Paris. Diplômée d'un Master 2 en lettres modernes, elle a consacré son premier mémoire à l'exploration de la mélancolie chez Baudelaire et Sartre (« Du Spleen à la Nausée ») et son deuxième travail de recherche, au poète américain John Giorno.

Maurice Fréchuret est un historien de l’art et conservateur en chef du patrimoine. Détenteur d’un doctorat de Sociologie et d’un doctorat d’Histoire de l’Art Conservateur au musée d’Art moderne de Saint-Étienne de 1986 à 1993, puis du musée Picasso à Antibes de 1993 à 2001. Il fut aussi directeur du capc Musée d’art contemporain de Bordeaux de 2001 à 2006, puis conservateur des musées nationaux du XXe siècle des Alpes-Maritimes (2006-2014). Il a organisé de nombreuses expositions au cours de sa carrière et écrit dans de nombreux catalogues. Il est, en outre, l’auteur de : Effacer, paradoxe d’un geste artistique (Presses du réel, Paris, 2016), Prix Pierre Daix, 2016. Exils, (en collaboration avec Laurence Bertrand-Dorléac) (RMN, Paris, 2012). Les Années 70, l’art en cause (RMN, Paris, 2003). L’Art médecine (en collaboration avec Thierry Davila) (Musée Picasso, Antibes, RMN, Paris, 1999). L’Envolée, L’Enfouissement (Skira, Milan, RMN, Paris, 1995). La Machine à peindre (Jacqueline Chambon, Paris, 1994). Le Mou et ses formes (première édition : éditions ENsBA, Paris, 1993) ; (Jacqueline Chambon, Paris, 2004).

Chloé Fricout (née en 1983, vit et travaille à Paris) inscrit ses recherches dans le champ de l’art contemporain notamment au croisement avec l’architecture et les enjeux urbains. D’abord au Mexique puis en France, ses projets prennent la forme de dispositifs (VICO, videoclub de Operacion Expandida, Prix Prince Claus Foundation 2011-2015) ; d’expositions (Foutez-moi la paix avec vos paysages, parlez-moi plutôt du sous sol solo show d’Anne-Charlotte Finel, Gal. Jousse entreprise 2018 ; In this Vessel We Should Be Kept solo show d’Ayoung Kim, Palais de Tokyo et Opéra de Paris, 2016; etc.) ; de textes (Catalog of Urban Legends, Ed. SEMA, Séoul, 2016 ; Conversación con Santiago Borja, Nerivela 3, Mexico, 2014, etc.). Chloé Fricout est également engagée dans des programmes de résidences d’artistes pensés comme des laboratoires de recherche. En 2011, elle met en place la résidence internationale de Casa Vecina à Mexico puis coordonne le Pavillon du Palais de Tokyo (2012-2017). Elle est aujourd’hui chargée de projets au Palais de Tokyo et vice-présidente du réseau national Arts-en-résidence.

Diplômée en lettres classiques et histoire de l’art, Emmanuelle Gall a enseigné dans divers contextes, de l’enseignement secondaire à l’université (Paris VIII-Saint-Denis). Parallèlement, elle est devenue journaliste et critique d’art, avec une prédilection pour les pratiques collectives, dans l’espace public et les lieux non dédiés à l’art. Après avoir collaboré à plusieurs titres parisiens (Nova mag, Le Monde diplomatique, Télérama…), elle s’est installée à Marseille, où elle est devenue la rédactrice en chef du magazine 8e art. Plus récemment, elle a décidé de se consacrer à la création littéraire et plastique, à travers la rédaction d’un roman et la conception d’une installation. En relation avec ses origines antillaises, ces deux works in progress abordent la transmission et le métissage.

Né en 1972 à Gardanne, Jean-Baptiste Ganne vit et travaille à Nice. (Dé)formé d’abord à l’Ecole Nationale de la Photographie à Arles puis à la Villa Arson à Nice, il expérimente diverses voies d’expression et n’hésite pas à marier les genres : écriture, lectures-performances, installations sonores, photo et vidéo. Son activité d’artiste s’articule autour de « la représentation du politique et la politique de la représentation » comme, par exemple, dans le Capital Illustré (Illustration photographique du livre de Marx). Il s’agit d’interroger plus précisément la dialectique entre l’image et le langage. Artiste pluridisciplinaire, il s’attache également à favoriser les rencontres entre artistes et disciplines comme au sein de La Station à Nice, collectif d’artistes dont il est l’un des animateurs, notamment depuis sa réouverture aux abattoirs de Nice en 2009. En résidence à la Rijksakademie à Amsterdam en 2003 et 2004, il a été pensionnaire à la Villa Médicis de 2006 à 2007. Il est maintenant Professeur à la Villa Arson, Nice depuis 2012.

Gérald Gassiot-Talabot (1929 – 2002) était un éditeur (on lui doit notamment l’édition du Guide du Routard lorsqu’il était chez Hachette) et critique d’art français (« inventeur » notamment de la Figuration narrative et co-fondateur de la revue Opus international).

Agnès Gayraud est née à Tarbes en 1979. Elle vit et enseigne à Lyon (Ecole Nationale Supérieure des Beaux-Arts de Lyon) après un passage à l’ENSA de la Villa Arson, à Nice. Ancienne élève de l’École Normale Supérieure de la rue d’Ulm, elle est agrégée et docteure en philosophie, elle est spécialiste d’Adorno et de la Théorie Critique. Parallèlement, elle compose et se produit sous le nom de La Féline, écrit occasionnellement des critiques musicales pour le journal Libération. En 2018, elle a publié Dialectique de la pop, un ouvrage philosophique sur l’esthétique des musiques populaires enregistrées (La Découverte), récemment traduit (Dialectic of pop) chez l’éditeur anglais Urbanomic. Fin 2019 est paru, chez Kwaidan Records, son troisième album Vie Future, après Adieu l’enfance en 2014 et Triomphe en 2017. Entre musique et écriture, savant et populaire, elle trace un chemin de pensée contemporain et singulier.

Raphaëlle Giangreco est critique d’art et pharmacienne. Elle mène depuis 2009 des recherches sur la disparition conçue comme un geste artistique, qu’il s’agisse d’effacement, de recouvrement, de destruction, de vol, de vandalisme, voire de disparation pure et simple de l’artiste.

Hélène Giannecchini est écrivaine et professeure en école d’art (Ecole européenne supérieure de l’image de Poitiers-Angoulême et Beaux-arts de Marseille). Elle enseigne l’histoire et la théorie de l’art.

Géraldine Gourbe est philosophe, critique et commissaire d’art. Elle est spécialiste de la scène artistique de la Californie du sud, de l’histoire des pédagogies radicales et du féminisme inclusif. Elle a enseigné la philosophie de l’art à l’ENSAD, l’Université de Metz, Sciences Po Paris, aux Beaux-arts de Marseille et d’Annecy. Elle a signé en 2018 une exposition à la Villa Arson autour de l’œuvre de Judy Chicago et de la côte Ouest dans les années 60, intitulée « Los Angeles, les années cool ». Depuis 2015, elle œuvre à une contre-lecture de l’histoire des idées et de l’art de la France de 1947 à 1989 en partenariat avec l’historienne de l’art Florence Ostende. Cette recherche a donné lieu au commissariat de la première édition de la Triennale d’art et de design de Dunkerque Gigantisme. Elle co-signe avec Hélène Guenin l’exposition au Musée d’Art Moderne et d’Art Contemporain de Nice She Bam Pow POP Wizz : les amazones du Pop, mai-septembre 2020. Elle a publié un ouvrage collectif sur la scène alternative de Los Angeles In the Canyon, Revise the Canon, savoir utopique, pédagogie radicale, et artist run spaces en Californie du sud, Shelter Press, Rennes et une monographie sur l’artiste Judy Chicago, To Sustain the Vision, Shelter Press, Rennes et Villa Arson Nice (mars 2020).

Agnieszka Graff est maître de conférences au Centre d’études américaines à l’université de Varsovie, membre du conseil du Congrès des Femmes de Pologne, et cofondatrice de l’organisation féministe « Porozumienie Kobiet 8 marca ». Auteure de plusieurs ouvrages, essais et articles sur les droits des femmes et sur le genre dans le discours public polonais, ainsi que de nombreux articles sur la pensée féministe, elle travaille actuellement avec la sociologue Elżbieta Korolczuk à un ouvrage portant sur la mobilisation internationale contre la théorie du genre et sur les liens d’une telle opposition avec le populisme de droite.

Alexandre Gérard est un artiste qui vit et travaille à Marseille, où il est né en 1975. Son travail aborde les thèmes de l’incompréhension, du doute et de la stupeur, sous la forme de vidéos, photographies, textes, enregistrements sonores, dessins, ou encore de livres (aux éditions P, Marseille, Semiose éditions, Paris, et Moinsun, Marseille). Il a également participé à plusieurs projets autour de l’œuvre de Jean Dupuy, et a notamment co-dirigé l’édition d’une monographie en deux volumes, consacrée à cet artiste, respectivement intitulés « En quatrième vitesse » et « À la bonne heure ! » (Semiose éditions, Paris, 2008).

María Luisa Grau Tello (née en 1983 en Espagne) est conservatrice à l’Institut Aragonais d’Art et de Culture Contemporaine (IAACC Pablo Serrano), Saragosse. Elle est titulaire d’un doctorat en histoire de l’art de l’Université de Saragosse. Ses recherches ont porté sur l’art public et le développement de la peinture muraliste, avec une attention particulière pour les œuvres qui ont fleuri dans l’espace urbain pendant la transition espagnole vers la démocratie. Elle est membre du groupe de recherche Observatorio Aragonés de Arte en la Esfera Pública de l’Université de Saragosse. Elle a été commissaire de l’exposition Pablo Serrano. Retratista retratado (Un portraitiste représenté) à l’IAACC Pablo Serrano en 2018-2020, et a participé au commissariat de Cielos Abiertos. Arte y procesos extractivos de la tierra [Ciel ouvert. Art et processus d’extraction de la terre], au Centro de Arte y Naturaleza-CDAN, Huesca, en 2019-2020.

Après des études en politiques publiques à Sciences Po et de littérature à l’université de Melbourne, Charlotte Groult est aujourd’hui éditrice pour les éditions de la Maison des sciences de l’homme, à Paris. Elle se consacre notamment à la publication d’ouvrages croisant anthropologie, photographie et cinéma, dont <emWVivre avec les dieux. Sur le terrain de l’anthropologie visuelle, de Marc Augé, Jean-Paul Colleyn, Catherine De Clippel et Jean-Pierre Dozon. Elle s’occupe également de deux revues académiques en sciences humaines et sociales publiées en anglais (Social Science Information, Violence: An International Journal). Auparavant chargée de mission pour le livre et le débat d'idées pour l’Ambassade de France au Canada, Charlotte Groult a vécu près d’un an et demi à Toronto, entre 2016 et 2017. Elle a également travaillé auprès de quelques maisons d’édition en France, ainsi que plusieurs mois au service éditorial d'une revue littéraire américaine basée à New-York, The Paris Review.

Directrice du MAMAC depuis le printemps 2016, Hélène Guenin a notamment organisé au musée les expositions Gustav Metzger. Remember Nature (février 2017) ; À propos de Nice. 1947 – 1977 (été 2017) ; une rétrospective de Liz Magor (novembre 2017 – coproduction Migros museum, Zurich ; Kunstverein, Hambourg) ; Cosmogonies, au gré des éléments, une exposition axée sur les enjeux écologiques et la co-création des artistes avec la nature d’Yves Klein à Thu-Van Tran ; une relecture des relations art et cinéma dans les années 1960 avec la grande fresque Le diable au corps. Quand l’Op art électrise le cinéma (été 2019 avec Pauline Mari) et plus récemment Lars Fredrikson avec le NMNM (avec Rébecca François 2019) ; et She-Bam Pow POP Wizz! Les Amazones du POP (avec Géraldine Gourbe, Oct 2020). Responsable de la programmation au Centre Pompidou-Metz de 2008 à 2016, elle y a développé un projet pluridisciplinaire offrant un dialogue constant entre les arts visuels et les arts vivants. Elle a notamment organisé les expositions : Sublime. Les tremblements du monde ; Un musée imaginé avec la Tate Liverpool (Francesco Manacorda) et le MMK Francfort (Peter Gorschlüter) ; Tania Mouraud. Une rétrospective ; Une brève histoire des lignes ; ERRE – Variations Labyrinthiques – avec Guillaume Désanges. De 2002 à 2008, elle a été curatrice au Frac Lorraine, et assistante curatrice au Casino Luxembourg – Forum d’art contemporain en 2001.

L’œuvre d’Alexandra Guillot ne s’appuie pas sur un médium particulier, elle navigue entre la performance, la sculpture, le dessin, la photo, l’installation ou la vidéo avec une volonté chaque fois renouvelée de mettre en place un monde composé d’impressions discrètes et tenaces. Un univers immergé fait surface et porte avec lui une étrange atmosphère. Il y a une forme de langage mystérieux qui s’exprime ici, une grammaire inconnue qui résonne pourtant pour faire sens. La marge, la nuit, les fantômes, le merveilleux… sont autant d’éléments qui composent son œuvre ; ils trahissent cette nécessité de donner à voir l’à-côté de toute chose. De ce regard décadré naît alors le sentiment que le dur du monde ne contient finalement qu’une part infime de l’existence. L’artiste met en place une œuvre sensible et personnelle qui dit son rapport poétique au réel et donne à ressentir un territoire invisible et nocturne.

Léo Guy-Denarcy est commissaire d’exposition et critique d’art. Il a auparavant été curator associé auprès de la structure Sextant et plus à la Friche de La Belle de Mai (Barnum, FOMO). Il a coordonné plusieurs catalogues monographiques (Pierre Huyghe, exposition radicale, Semaine) et participé à de nombreuses publications (Art 21, 02). Il a également assuré le cycle de conférence 2008-2009 de Connaissance de l’art contemporain, association nomade de médiation culturelle ainsi que plusieurs missions auprès du ministère de la culture et des collectivités territoriales.

Ágnes Horváth (née en 1949, Budapest) a mené une carrière de professeure de français dans différents établissements d’enseignement supérieur après des études russes et françaises à l’université Loránd Eötvös de Budapest. Ses séminaires les plus importants portent sur Beckett, Proust et Dostoïevski. Elle a réuni un groupe de traducteurs et traductrices, recruté.e.s parmi ses ex-étudiants et étudiantes de français, qui ont traduit trois pièces capitales de Beckett : En attendant Godot, Fin de partie, Oh, les beaux jours. Elle a également revu la traduction hongroise des deux derniers tomes de À la recherche du temps perdu de Marcel Proust. En tant que critique d’art, elle travaille surtout pour la Galerie 2B, axée essentiellement sur la présence de la judéité dans l’art contemporain.

Rédacteur en chef de la revue art press (1991-1999), membre du comité de rédaction de la Revue Perpendiculaire (1995-1998), il est professeur à l’ENSBA Paris. Entre autres expositions : Topographies de la guerre, Le Bal, Paris, 2011 ; La Force de l’art, Grand Palais (avec J.-L. Froment et D. Ottinger), 2009 ; L’Idiotie, Expérience Pommery # 2, Reims, 2005 ; Histoire de l’infamie, Biennale de Venise, 1995 ; Un art contemporain d’Afrique du sud, La Défense, 1994. Entre autres publications : Artistes sans œuvres (1997) ; L’Idiotie (2004) ; L’Usage des ruines (2012) ; MOAB, Épopée en 22 chants (2018). Depuis 2008, il se consacre au cycle de conférences, l’Encyclopédie des guerres, rendez-vous mensuel au Centre Pompidou.

Joana Hadjithomas et Khalil Joreige sont cinéastes et plasticiens. Documentaires (Khiam, Le Film perdu, The Lebanese Rocket Society) ou fictions (A Perfect Day, Je veux voir), leurs films sont des aventures qui les placent dans une position singulière aussi bien dans le monde du cinéma que de l’art.

Christophe Kihm est professeur à la HEAD-Genève.

Yaël Kreplak est sociologue, chercheuse associée au Centre d’étude des mouvements sociaux (EHESS, Paris) et au Centre de recherche des liens sociaux (Université Paris Descartes). Elle travaille dans le domaine de l’ethnométhodologie, de l’analyse de l’action située et de l’analyse conversationnelle. Fondés sur des enquêtes ethnographiques réalisées dans des institutions artistiques et patrimoniales (Villa Arson, Centre Pompidou, Archives nationales), ses travaux élaborent une approche pragmatiste de l’art, sensible aux processus par lesquels les œuvres sont présentées au public et ancrée dans la description des pratiques de mise en exposition, conservation, restauration et documentation. Elle prépare actuellement un ouvrage sur les pratiques de la conservation de l’art contemporain au Musée national d’art moderne – Centre Pompidou. Ses activités de recherche se prolongent fréquemment par des collaborations avec des professionnels de l’art et des artistes. Elle donne régulièrement des conférences, en France et à l’étranger, dans des universités et institutions artistiques.
Parmi ses publications récentes : des récits ordinaires, avec Grégory Castéra et Franck Leibovici (publication liée à l’exposition, Les presses du réel, coll. Villa Arson, 2014), « Des documents dociles » (in Document bilingue, Manuella / MuCEM, 2017), « Artworks in and as practices. The relevance of particulars » (in Practicing Art/Science. Experiments in an emerging field, Routledge, 2018), « Once it is out, it is anybody’s. Quelques remarques sur les méthodes de Franck Leibovici » (in Une poétique pragmatiste, Les presses du réel, 2018), « Quelle sorte d’entité matérielle est une œuvre d’art ? Le cas du Magasin de Ben » (Images Re-vues, 2019), « Des artistes, des enquêtes, des pratiques ingénieuses. Conversations avec Thierry Boutonnier, Gwenola Wagon et Alexis Guillier » (SociologieS, 2020).

Arnaud Labelle-Rojoux, est artiste et auteur d’une dizaine de livres depuis L’Acte pour l’art en 1988. Il expose depuis 2003 à la Galerie Loevenbruck qui le représente à Paris (en 2021 : Étant damné(s), un épisode de la Passion triste, avec Xavier Boussiron). Dernier essai en date : Duchamp aux Éditions François Bourin (2020).

Déborah Laks est docteure en histoire de l’art. Conseillère scientifique au Centre allemand d’histoire de l’art, elle est également chercheuse associée au Centre d’Histoire de Sciences po. Elle enseigne à l’École du Louvre, à l’Université Panthéon-Sorbonne et à Sciences Po. Elle est l’auteure de Des déchets pour mémoire. L’utilisation de matériaux de récupération par les nouveaux réalistes (1955-1975), aux Presses du Réel.

En 1970, à l’âge de six ans, Emmelene Landon quitte son Australie natale à bord du Marco Polo avec sa famille en traversant le Pacifique de Sydney à Nahodka en passant par Yokahama. Ils traversent ensuite l’Union Soviétique en Transsibérien pour passer trois ans en Angleterre, avant de repartir vivre cinq ans à New York et de s’installer en France en 1979. Elle étudie la peinture auprès de Leonardo Cremonini aux Beaux-Arts de Paris, repart en Chine par le Transsibérien en écrivant et en peignant. En 2001, elle embarque à bord du Manet, porte-conteneurs de trente-mille-cinq-cents tonnes. Elle publie Le Tour du monde en porte-conteneurs chez Gallimard, en 2003. Ce voyage confirme son amour et sa fascination pour le monde maritime, thème qui traverse à la fois son écriture, sa peinture, son travail de producteur à France Culture et de vidéaste. Emmelene Landon est cadreuse des deux films de son mari Paul Otchakovsky-Laurens, Sablé-sur-Sarthe, Sarthe, 2009 et Éditeur, 2017. Parmi les vidéos qu’elle a réalisées : Australie mère et fille, 2004, Le Fantastique Voyage du conteneur rouge, 2005, I don’t want to miss a thing, 2012. Elle continue de peindre et d’exposer régulièrement sur la scène internationale. En 2006, elle publie Susanne, Peintures de Susanne Hay, et en 2007, Le Voyage à Vladivostok, chez Léo Scheer. La Tache aveugle, 2010, et Portrait(s) de George, 2014, chez Actes Sud. En 2017, La Baie de la Rencontre est publié chez Gallimard. En novembre 2018 paraît Marie-Galante, chez Gallimard. Emmelene Landon est écrivain de Marine, dans les pas de Simon Leys et de Jean Rolin.

Critique d’art et commissaire d’exposition, Sophie Lapalu est diplômée de l’Ecole du Louvre et de l’Ecole du Magasin. Elle termine actuellement son doctorat à l’Université Paris 8, où elle donne des cours aujourd’hui, après trois années en tant que coordinatrice de l’espace d’exposition de l’ENSAPC, YGREC.

Thomas Lawson (né en 1951 à Glasgow, en Écosse) est un artiste, écrivain, rédacteur en chef de magazine et doyen de l’école d’art du California Institute for the Arts. Lawson a exposé à l’échelle internationale dans diverses galeries et musées, et ses essais sont parus dans de nombreuses anthologies et revues telles que Artforum, Art in America, Flash Art et October. Il a également édité ou coédité les revues d’art contemporain REALLIFE Magazine, Afterall et East of Borneo. Il vit et travaille à Los Angeles.

Nicolas Ledoux vit et agit aux frontières de l’art. Son travail est montré de façon visible ou invisible, dissimulé ou non. Il procède du leurre et de la fiction, de la fusion/confusion entre artiste-critique et critique-artiste. Son approche résolument post-conceptuelle s’appuie, avec une certaine provocation et par souci du paradoxe, sur les outils classiques de l’artiste : installation, dessin, peinture, vidéo, photo, documentation…

Depuis 2011, avec Damien Beguet, il a racheté un artiste après sa cessation d’activité dont ils ont décidé de prolonger le travail sous le nom de Ludovic Chemarin©. Cette entreprise inédite et subversive, qui s’intéresse autant à l’aspect juridique que plastique, bouleverse les usages et les statuts d’un monde de l’art obsolète et subordonné à son économie. Cette tentative vouée à un échec exemplaire ou un succès de haute trahison connait un succès croissant et se déploie au gré de nombreuses expositions et invitations en France et à l’étranger.

Il a été un des membres fondateur du collectif Ultralab™ dans les années 2000. Il est co-rédacteur en chef de la revue d’art contemporain OpticalSound, associé au studio de design graphique ABM Studio et à la maison d’édition Art Book Magazine ainsi que membre fondateur du groupe Économie Solidaire de l’Art (ESA).

Nina Leger est écrivaine et professeure en école d’art (Ecole européenne supérieure de l’image de Poitiers-Angoulême et Beaux-arts de Marseille). Elle enseigne l’histoire et la théorie de l’art.

Franck leibovici (poète, artiste) a tenté de rendre compte, sous la forme d’expositions, de performances et de publications, des conflits dits « de basse intensité » d’un point de vue documental en usant de partitions graphiques et de systèmes de notation issus de la musique expérimentale, de la danse, de la linguistique – des documents poétiques (al dante, 2007), portraits chinois (al dante, 2007), low intensity conflicts – un mini-opéra pour non musiciens (ed. mf, 2018) ; a publié des correspondances de spams, des discours de 70h et des transcriptions de sex-tapes (lettres de jérusalem, 2012 ; filibuster, jeu de paume, 2013 ; de l’amour, éd. jean-boîte, 2019) ;
a travaillé sur l’écologie de l’œuvre d’art – (des formes de vie) – une écologie des pratiques artistiques (les laboratoires d’aubervilliers / questions théoriques, 2012), des récits ordinaires (avec grégory castéra et yaël kreplak, les presses du réel / villa arson, 2014), refresh ! / collecting live art (tate modern / koenig, 2012-2014), the training – an artwork for later / and after (biennale de venise, 2017) ; travaille actuellement, avec julien seroussi, à un cycle d’exposition et de publication autour du fonctionnement de la justice internationale (bogoro, questions théoriques, 2016 ; biennale de taipei, 2020, cour pénale internationale, 2020).

Elena Lespes Muñoz, 1988, Paris (France). Vit et travaille à Paris. Historienne de l’art (Université Paris I et Université de São Paulo), Elena Lespes Muñoz se forme à la coordination de projet dans l’art contemporain à la Fondation Kadist. Elle a travaillé pour l’association Artesur (dédiée à l’art contemporain d’Amérique latine) et la Galerie Aline Vidal ; et a présenté plusieurs projets en tant que commissaire d’expositions (parmis lesquels Le bruit des choses qui tombent, FRAC PACA, 2017; Video SUR, Palais de Tokyo, 2018; leçon de la pierre, Ìcaro Lira, Salle Principale, 2019). Elle est actuellement responsable communication et médiation au CAC Brétigny.

Kim Levin est critique d’art et écrivaine. Américaine, elle a régulièrement contribué au Village Voice, de 1982 à 2006. Depuis 2007, elle écrit régulièrement dans ArtNews. Elle a été correspondante d’Opus International de 1973 à 1977. Puis, de 1980 à 1994, elle a été correspondante de Flash Art. Elle a aussi été rédactrice-en-chef associée de Arts Magazine de 1973 à 1992. Elle a en outre contribué aux publications Parkett, Artstudio, Sculpture et VOIR, entre autres. On trouve également ses essais dans différents livres et catalogues d’expositions. Kim Levin est titulaire d’une licence du Vassar College et d’une maîtrise en égyptologie de la Columbia University, Département d’histoire de l’art et d’architecture. Elle a poursuivi son doctorat à la New York University Institute of Fine Arts. Kim Levin a donné des conférences aux États-Unis et à l’international dans de nombreuses institutions : le Musée Guggenheim, la New School for Social Research, la Brown University, la Biennale de São Paulo, le Whitney Museum of American Art, le Museum of Contemporary Art de Chicago, le California Institute of the Arts, le Cincinnati Center of Contemporary Art, entre autres. Elle a été professeure invitée à la SVA, à l’école supérieure du Claremont College et à HISK à Anvers. Trésorière de l’AICA-USA de 1982 à 1984, puis vice-présidente de 1984 à 1990 et présidente de 1990 à 1992, elle est devenue vice-présidente de l’AICA International en 1991 et elle en a été élue présidente en 1996 pour deux mandats successifs, qui se sont achevés en 2002. En 2002, une installation basée sur les notes préalables de Levin sur des communiqués de presse et des annonces de galeries, a été présentée à l’occasion de l’exposition Notes and Itineraries qui lui était consacrée à Delta Axis, Memphis – l’artiste John Salvest en assurant le commissariat et l’installation. Ce projet a été repensé à Ronald Feldman Fine Arts, New York (2006), avant d’être présenté à l’international chez Haas & Meyer à Zurich (2006), au Musée Ludwig de Budapest (2007) et à KIASMA, Helsinki (2008). Il a également été intégré à l’exposition collective Retracing Exhibitions curatée par Kari Conte et Florence Ostendat au Royal College of Art de Londres (2009).

Gail Levin est professeur émérite d’Histoire de l’Art, d’Etudes Américaines et d’Etudes Féminines au Graduate Center et au Baruch College de l’Université de New York. Spécialiste reconnue d’Edward Hopper, elle est l'auteur de nombreux livres et articles sur le peintre réaliste américain, dont un catalogue raisonné et Edward Hopper: An Intimate Biography. Son travail sur le XX^e siècle et l'art contemporain a été salué au niveau international, largement publié et traduit en Europe, en Asie et en Australie. Ses sujets vont de la théorie des biographies d'artistes aux explorations de l'intersection des études culturelles américaines et asiatiques. Elle s'est également intéressée aux femmes artistes dans une perspective historique et ses biographies de Judy Chicago (2007) et de Lee Krasner (2011) font référence.

Shiyan Li est docteur en Sciences de l’Art, membre du Réseau Asie & Pacifique (Paris), membre de l’équipe de recherche interuniversitaire Langages artistiques Asie-Occident (Paris). Son travail porte sur la réception de la pensée extrême-orientale dans l’art occidental moderne et contemporain, sur la naissance de l’art contemporain chinois après la Révolution culturelle ainsi que sur l’étude lexicographique du vocabulaire critique de l’art chinois des XXe et XXIe siècles et ses problèmes de traduction.

Écrivaine, Laure Limongi a publié une douzaine de livres dont Ton cœur a la forme d’une île (Grasset, à paraître en 2021), J’ai conjugué ce verbe pour marcher sur ton cœur (L’Attente, 2020), On ne peut pas tenir la mer entre ses mains (Grasset, 2019, Prix du livre corse et de la collectivité de Corse)… Elle collabore régulièrement avec des artistes, musicien·ne·s, graphistes : Olivier Mellano, Pierre Henry, Fanette Mellier, Stéphanie Solinas… et écrit pour/sur des artistes : Philippe Lepeut, Lucille Calmel, Daniel Spoerri, Thomas Mailaender, Baptiste César… ainsi que sur des écrivain·e·s (voir notamment Solistes (Léo Scheer, 2012) sur Denis Roche, Hélène Bessette, Kathy Acker, B.S. Johnson) ou des musicien·ne·s (An Idea of Glenn Gould (France Culture, « Une vie une œuvre », production Laure Limongi, réalisation Nathalie Battus, 2015). Elle a été éditrice pendant une quinzaine d’années, créant et dirigeant les collections « & » chez Al Dante (2001-2003) et « Laureli » chez Léo Scheer (2006-2012) – une soixantaine de livres ainsi publiés. Actuellement professeure de création littéraire à l’École nationale supérieure d’arts de Paris-Cergy (ENSAPC), elle a codirigé pendant six ans le Master de Création littéraire du Havre (ESADHaR-université du Havre), premier du genre créé en France. Elle a cofondé le Prix du roman d’écologie en 2018. www.laurelimongi.com

Éric Loret est critique d’art et de littérature. Ancien élève de l’École normale supérieure de Fontenay-Saint-Cloud, il a longtemps collaboré aux pages Culture du quotidien Libération tout en enseignant (NYU, ECAL, UNIL). Il a également été chroniqueur pour l’émission La Dispute de France Culture. Auteur d’un Petit manuel critique (Les prairies ordinaires, 2015), il écrit actuellement pour AOC, The Artnewspaper France, En attendant Nadeau et le Monde des Livres.

Beral Madra vit et travaille à Istanbul. Depuis 1984, elle a organisé des expositions pour plus de 300 artistes turcs et internationaux, que ce soit dans ses centres d’art ou dans d’autres lieux artistiques officiels à Istanbul, Ankara, Diyarbakır, Bakou, Bari, Berlin, Crète, Huarte, Cracovie, Los Angeles, Moscou, Munich, Sofia, Tbilissi, Venise… Elle a créé et dirigé la Galerie BM de 1984 à 1990, puis le Centre d’art contemporain international BM depuis 1990. Ce dernier joue à l’heure actuelle un rôle de fonds d’art contemporain (5000 livres, 250 expositions, des portfolios d’artistes et une collection de diapositives de 1979 à 1990). Avec ses associés, elle a créé et dirigé BM-SUMA à Karaköy (2007-2010) et la Galerie KUAD à Beşiktaş (2011-2016). Elle a coordonné et assuré le commissariat de la première et de la deuxième Biennale d’Istanbul (1987 et 1989), assuré le commissariat du Pavillon de la Turquie à la 43ème, 45ème, 49ème, 50ème et 51ème Biennale de Venise, ainsi que celui du Pavillon de l’Asie centrale en 2009 et du Pavillon de l’Azerbaïdjan en 2011. Elle a assuré le commissariat conjoint de l’exposition Modernities and Memories: Recent Works from the Islamic World (1997), du symposium et de l’exposition Alanica, en en Ossétie du Sud-Alanie (2013), de la 1ère et 3ème Sinopale, de la 3ème et 4ème Biennale de Çanakkale (2012-2014), et de la 8ème Biennale de Bucarest (2018). En 2008-10, elle a été directrice artistique d’Istanbul 2010 Capitale européenne de la Culture, et elle a dirigé le grand projet www.supremepolicy.blogspot.com. Elle a dirigé le travail de 60 artistes pour la Bourse Istanbul du Sénat de Berlin (1995-2013). Elle est la fondatrice (2003) et présidente honorifique de l’AICA Turquie. www.beralmadra.net

Arnaud Maguet est artiste plasticien et non-musicien au sens où l’entend Brian Eno. Souvent, il vit et travaille à Nice. Sa pratique tente d’établir une ligne téléphérique entre les cimes des avant-gardes du XX^ème siècle et les caniveaux des cultures underground mais cela serait à la fois terriblement pompeux et extrêmement réducteur.

Éric Mangion est directeur du centre d’art de la Villa Arson depuis 2006. Il y a notamment accueilli ou organisé des expositions monographiques de Eva Barto, Sonia Boyce, Monster Chetwynd, Judy Chicago, Jeremy Deller, Jean Dupuy, Brice Dellsperger, Ryan Gander, Bernard Heidsieck, Emmanuelle Lainé, Zoé Léonard, Flora Moscovici, Roman Ondak, Linda Sanchez, Tatiana Trouvé ou des expositions collectives comme Ne pas jouer avec des choses mortes, Go Canny ! Poétique du sabotage, Double Bind / Arrêtez d’essayer de me comprendre !, Acclimatation, À moitié carré/À moitié fou, Transmission ou À la vie délibérée. Il a été directeur du Frac Provence-Alpes-Côte d’Azur de 1993 à 2005 dans lequel il a axé une partie de la collection sur des œuvres évolutives. Commissaire ou co-commissaire indépendant de nombreuses expositions dont : Self in Material Conscience, Fondation Sandretto à Turin, 2002 ; Artur Barrio: Actions After Actions à l’Université de Philadelphie, 2006 ; Recommencer, Commencer de nouveau la peinture de Gérard Gasiorowski, Carré d’art de Nîmes, 2010 ; Modules (Thomas Teurlai, Vivien Roubaud et Tatiana Wolska), Palais de Tokyo, Paris, 2014 ; La voix libérée – Poésie sonore, Palais de Tokyo, Paris, 2019 ; Parties sans éteindre la lumière (Pauline Curnier Jardin et Marie Losier,) Fondation d’entreprise Ricard, Paris, 2019. Il fut également directeur artistique du festival Printemps de Septembre 2010 (Une forme pour toute action) et conseiller artistique du festival Live à Vancouver en 2011. Membre de la commission danse du Ministère de la culture entre 2013 et 2016, il préside le festival Actoral et Montévidéo (Marseille) depuis juin 2017. Critique d’art ayant participé à de nombreuses revues, il assure en 2007 la direction artistique de la revue Fresh Théorie III. Il est cofondateur et directeur de la rédaction de la revue Switch (on Paper) https://www.switchonpaper.com/

Après avoir mené des activités de recherches en tant que spécialiste de l’art tribal du sous-continent indien, Julia Marchand entreprend un Master of Fine Arts Curating au Goldmiths College de Londres. En 2015, elle rejoint l’équipe de la Fondation Vincent van Gogh Arles où elle est aujourd’hui curatrice adjointe. Julia Marchand a mené, aux côtés de Bice Curiger le projet d’exposition « La vie Simple – Simplement la vie » en 2017 et a organisé l’exposition « James Ensor & Alexander Kluge : Siècles Noirs » présentée en 2018. Elle poursuit également une activité de commissaire d’exposition indépendant par le biais de sa plateforme Extramentale créée en 2016, centrée sur la jeune création européenne. Elle a organisé des expositions et des conférences à l’étranger notamment à la Swiss Church de Londres, à la galerie Stereo de Varsovie, à l’espace culturel Louis Vuitton et au musée du quai Branly à Paris ou encore durant Art Basel Hong Kong en partenariat avec Art Asia Archive Open Platform.

Frédéric Maria vit et travaille à Nice. Il collabore à la revue Switch (on Paper).

Lauren Mele est une artiste, écrivain et chercheuse basée à Londres. Ses écrits et ses recherches se concentrent sur l’art contemporain traitant des politiques de production d’images objectives. Elle est diplômée d’un MFA en art contemporain au Sotheby’s Institute of Art de Londres (2010). Parmi ses contributions récentes en matière de contenu et de recherche, citons « Zarina Bhimji : Lead White », Tate Britain (2019) ; Serpenti in Arte (2016) ; Art and Politics Now (2014) ; Suspended (2013).

Dramaturge et metteur en scène français, personnalité atypique du monde du théâtre et du cirque, Pierre Meunier a volé à bord de l’Airbus Zéro-G, en mars et avril 2010, dans le cadre de la résidence Des écrivains en impesanteur. Après une première collaboration en 2008 avec l’Observatoire de l’Espace, Pierre Meunier est le troisième artiste à participer à cette résidence qui lui a offert la possibilité de rendre compte de son expérience et de la recherche artistique menées à bord de l’appareil. Pierre Meunier travaille depuis longtemps sur la lutte entre Léopold Fliegestein, personnage qu’il incarne sur scène, et son ennemie déclarée la pesanteur.

Luba Michailova est la fondatrice d’Izolyatasia, une plate-forme pluridisciplinaire d’initiatives culturelles en Ukraine à but non lucratif. La fondation mène différentes typologies de projets pour échanger, éduquer et activer le secteur créatif ukrainien grâce à la culture.

Anne-Charlotte Michaut est une historienne de l’art au parcours pluridisciplinaire. Après deux ans de classe préparatoire littéraire durant lesquels elle était spécialisée en littérature anglophone, elle a obtenu une licence de Lettres modernes appliquées à l’Université Paris-Sorbonne et a entamé des études d’histoire de l’art à l’École du Louvre (premier cycle) puis à l’Université Panthéon-Sorbonne (Master). Au travers de ses recherches et diverses expériences professionnelles dans le milieu culturel, elle a exploré les liens que l’art contemporain entretient avec les sciences humaines, notamment les Gender Studies et l’anthropologie, et la littérature, mais également avec d’autres pratiques, telles que l’architecture et le design. Elle collabore aujourd’hui à plusieurs revues et développe une approche de l’art en lien avec des réflexions sociétales, notamment liées à l’identité, au genre et à la sexualité.

Catherine Millet est une critique d’art, commissaire d’exposition et écrivain française. Elle est entre autres l’auteur de Une enfance de rêve (Flammarion, 2014), Jour de souffrance (Flammarion, 2008), Dali et moi (Gallimard / Art et artistes, 2005).

Alan W. Moore (né en 1951 à Chicago, aux États-Unis) est un historien de l’art et un activiste dont le travail porte sur les économies et les groupes culturels et la politique de la collectivité. Après avoir été critique d’art, Moore réalise des vidéos et des installations à partir du milieu des années 1970 et participe à la série Public Arts International/Free Speech en 1979. Il a publié plusieurs livres et dirige le projet d’information House Magic sur les centres sociaux autonomes, auto-organisés et occupés. Il vit à Madrid.

Commissaire indépendante et enseignante basée à Londres, Fereshte Moosavi est titulaire d’un doctorat du programme Curatorial/Knowledge du département des cultures visuelles de la Goldsmiths University de Londres. Sa thèse intitulée Studying Curatorial-Abilities ; Environmenting, Improvising, & Inhabiting State of Affairs développe un ensemble de propositions pour alimenter la pensée curatoriale et envisager le commissariat d’exposition en tant que processus créatif. D’avril 2011 à septembre 2018, elle a été directrice artistique et commissaire d’exposition de la Fondation MOP, organisation à but non lucratif basée à Londres et dédiée au soutien des artistes iraniens.

Elle a fondé en décembre 2015 Curatorial in Other Words, un projet de recherche en cours avec Charsoo Honar, centre d’art à Téhéran, et organisé nombre d’expositions qui documentent sa recherche, notamment Two-Way Street, Dance Dance Dance 2019-2020, Bermondsey Project Space, Londres ; Contemporary Iran : A historiographical Review on the Relation Between Art and Public in Iran, Art Monte-Carlo, 2018 ; Animal Party, Kamil Gallery, Monaco, 2018 ; Ali Akbar Sadeghi : A Retrospective, Tehran Museum of Contemporary Art, 2018 ; et Trans-Transfiguration: Sheikh Saafi’s Anecdote and any Expandable Thing, Fondation Lajevardi, Téhéran, 2017. Elle est également l’auteur.e de livres et d’essais sur l’art.

Bien qu’il lui arrive de s’aventurer sur des sujets tels que le foot ou les pépins de pastèque, de chanter des opéras improvisés ou de tenir salon avec des ami-e-s sur YouTube, Vanessa Morisset, elle l’oublie parfois elle-même, est docteure en histoire de l’art. Au fond théoricienne donc, elle travaille sur les relations entre l’art et les autres domaines de l’activité humaine, le rock, la littérature et surtout le cinéma. Sa thèse portait sur Mimmo Rotella et ses décollages d’affiches de cinéma – westerns, péplums, films fantastiques et d’horreur – à Rome, autour de 1960, soit à la grande époque de Cinecittà. Enseignante à l’ESAD de Reims, elle a entre autres mené une réflexion sur « Quoi faire? » à partir de la figure de Bartleby et initié un séminaire sur ce que c’est qu’être artiste aujourd’hui, intitulé « La grande débrouille ». Critique d’art, elle collabore très fidèlement aux revues 02 et esse afin de comprendre, par le biais de l’art, ce qu’il se passe en ce moment.

Nathalie Moureau est Professeur en économie de la culture, et Vice-présidente déléguée à la Culture de l’Université Paul Valery Montpellier. Elle a publié de nombreux ouvrages et articles sur le marché de l’art et a également conduit plusieurs recherches pour le Ministère de la Culture et de la Communication français. On citera par exemple Le marché de l’art contemporain, éd. La découverte, 2016 (en collab. avec D. Sagot-Duvauroux) et Les collectionneurs d’art contemporain : des acteurs méconnus de la vie artistiques, La documentation française, 2016 avec D. Sagot-Duvauroux et M. Vidal.

Pierrick Mouton est un artiste français vivant à Paris, qui explore l’imaginaire collectif des croyances humaines et du langage, au travers des films, des œuvres sonores ou des objets. Son travail analyse les points de jonction entre image documentaire et récit fictionnel, écriture radiophonique et jeux d’acteurs. Pierrick Mouton a récemment exposé au Salon de Montrouge (Paris), à l’École d’architecture de la ville & des territoires (Paris Est), Clark House Initiative (Mumbai), Villa Belleville (Paris), Alliance Française (Chandigarh), Nunnery Gallery (London), aux Rencontres internationales (Paris – Berlin),… Ses créations radiophoniques sont régulièrement diffusées sur France Culture et *DUUU radio.

Estelle Nabeyrat est commissaire d’exposition et critique d’art indépendante. Elle a ainsi mené plusieurs projets d’expositions comme récemment à la galerie Quadrado Azul à Lisbonne, au Neuer Aachner Kunstverein de Aachen et au Museu da Répùblicà de Rio de Janeiro. Elle prépare actuellement une exposition personnelle d’Elisa Pône qui se tiendra en 2020 aux Galeries municipales de Lisbonne. Ses textes ont été publiés dans de nombreuses revues et journaux dont Contemporanea (pt), Texte zur Kunst (de) et L’Hebdo du Quotidien de l’art. Elle a notamment co-dirigé l’ouvrage Réalité du commissariat aux éditions des Beaux-arts de Paris. Elle a travaillé à l’Akademie der Bildende künste à Vienne en tant qu’assistante du prof.Ute Meta Bauer puis à l’Ecole Supérieure des Beaux Arts de Lyon comme coordonnatrice des Relations extérieures puis à l’Ecole d’art et de design de Reims comme responsable des études ainsi qu’au Centre d’art Le Magasin à Grenoble comme chargée du programme curatorial. Elle a également été curatrice pour la résidence Orange Rouge (2013-14), Chargée de production à la Biennale Performa NYC (2015), et assistante de l’artiste Pier Paolo Calzolari à Lisbonne (2016-2018). En 2009, elle est lauréate d’une bourse du Musée des Beaux Arts de Houston avant d’être curatrice en résidence au Palais de Tokyo (2010-11) puis à Capacete Brésil (2011). En 2012, elle reçoit une allocation de recherche du Cnap pour un travail sur l’Anthropophagie aux archives de la Biennale de Sao Paulo. En collaboration avec Pedro de Llano, elle vient de terminer un travail de recherche sur les artistes en exil depuis l’Amérique latine et les Caraïbes dans la collection du Centre national des arts plastiques.

Rosemary O’Neill est historienne de l’art spécialiseé dans l’art français et américain de la seconde moitié du vingtième siècle. Elle est l’auteure de Art and Visual Culture on the French Riviera, 1956-1971 (Ashgate, 2012), co-rédactrice du livre Art as Adventure: Going Beyond (Cambridge Scholars Publishing, 2017), et des chapitres du livre: “Agnès Varda’s du Côté de la Côte: Place as ‘Sociological Phenomenon’” (Bloomsbury, 2018); “La Cédille qui Sourit: aesthetic research under the ‘sign of humor’,” (Ashgate 2012); et “Le ‘naturalisme intégral’ de Pierre Restany: la perception disciplinée et la dématérialisation de l’objet” (INHA/Éditions des Cendres, 2009). Elle a rédigé des essais pour les musées suivant: Posco Art Museum, Seoul; Corcoran Museum of Art, Washington, D.C.; South Bank Center, London; et le Musée d’Art Moderne et d’Art Contemporain, Nice. O’Neill est professeure à Parsons School of Design – The New School, NY.

Éric Mangion est directeur du centre d’art de la Villa Arson depuis 2006. Il y a notamment accueilli ou organisé des expositions monographiques de Eva Barto, Sonia Boyce, Monster Chetwynd, Judy Chicago, Jeremy Deller, Jean Dupuy, Brice Dellsperger, Ryan Gander, Bernard Heidsieck, Emmanuelle Lainé, Zoé Léonard, Flora Moscovici, Roman Ondak, Linda Sanchez, Tatiana Trouvé ou des expositions collectives comme Ne pas jouer avec des choses mortes, Go Canny ! Poétique du sabotage, Double Bind / Arrêtez d’essayer de me comprendre !, Acclimatation, À moitié carré/À moitié fou, Transmission ou À la vie délibérée. Il a été directeur du Frac Provence-Alpes-Côte d’Azur de 1993 à 2005 dans lequel il a axé une partie de la collection sur des œuvres évolutives. Commissaire ou co-commissaire indépendant de nombreuses expositions dont : Self in Material Conscience, Fondation Sandretto à Turin, 2002 ; Artur Barrio: Actions After Actions à l’Université de Philadelphie, 2006 ; Recommencer, Commencer de nouveau la peinture de Gérard Gasiorowski, Carré d’art de Nîmes, 2010 ; Modules (Thomas Teurlai, Vivien Roubaud et Tatiana Wolska), Palais de Tokyo, Paris, 2014 ; La voix libérée – Poésie sonore, Palais de Tokyo, Paris, 2019 ; Parties sans éteindre la lumière (Pauline Curnier Jardin et Marie Losier,) Fondation d’entreprise Ricard, Paris, 2019. Il fut également directeur artistique du festival Printemps de Septembre 2010 (Une forme pour toute action) et conseiller artistique du festival Live à Vancouver en 2011. Membre de la commission danse du Ministère de la culture entre 2013 et 2016, il préside le festival Actoral et Montévidéo (Marseille) depuis juin 2017. Critique d’art ayant participé à de nombreuses revues, il assure en 2007 la direction artistique de la revue Fresh Théorie III. Il est cofondateur et directeur de la rédaction de la revue Switch (on Paper).

Luc Clément évolue dans le monde de la communication, des grands groupes (Havas, Publicis) aux structures indépendantes, avant de fonder sa propre agence à Nice. Expert en histoires de marques, il possède une solide connaissance des univers de la création. En 2001, il crée Le Dojo, espace expérimental d’art contemporain où il collabore avec de nombreux artistes, plasticiens, musiciens sur des projets in situ, explorant les points de rencontre et interactions entre la sphère artistique et celle de l’entreprise privée. De ces collaborations sont nées des productions originales d’artistes tels que Céleste Boursier Mougenot, Matthieu Mercier, Nicolas Moulin, Vincent Epplay ou encore, en association avec Arnaud Maguet, des performances de Jac Berrocal, Xavier Boussiron, Lee Ranaldo, Aki Onda et bien d’autres. Il est aujourd’hui éditeur délégué et directeur de la rédaction des magazines Marie Claire et Marie Claire Maison Méditerranée.

Après avoir suivi un cursus en art puis en psychologie, Océane Pacaud a été diplômée du Master de Création Littéraire du Havre en juin 2020. À l’aide d’une prose poétique et de l’usage du spoken word, elle s’emploie à raconter des histoires polyphoniques où s’entremêlent fiction et témoignages, pour rendre compte de son époque à travers des faits de société et la banalité du quotidien

Titulaire d’un doctorat en esthétique à l’Université Paris 1 Panthéon-Sorbonne, Vittorio Parisi est actuellement responsable des études et de la recherche à la Villa Arson à Nice. Son activité de recherche porte sur la relation entre l’art et les non-lieux urbains, ainsi que sur le rapport entre le street art, le monde institutionnel de l’art et l’industrie culturelle.

Camille Paulhan est historienne de l’art, critique d’art et enseignante. Elle a soutenu en 2014 une thèse de doctorat portant sur le périssable dans l’art des années 1960-1970. Membre de l’AICA-France, elle publie régulièrement dans des revues et autres supports d’information spécialisés ou généralistes françaises et canadiennes (02, art press, AWARE, Clubsandwich magazine, Critique d’art, Espace, Esse, Flush, Hippocampe, Josefffine, La belle revue, Marges, Possible, Specific Cheeses, Thankyouforcoming…). Elle enseigne l’histoire de l’art à l’École nationale supérieure des beaux-arts de Lyon.

Elle a écrit sur le sucre, les œuvres gommées, la transmission en écoles d’art, les artistes femmes âgées, les chefs-d’œuvre d’étudiant·es de la classe préparatoire de l’École d’art de Bayonne, le dessin performé, les métaphores excrémentielles dans les œuvres chocolatées, la moisissure, les champignons hallucinogènes dans l’art contemporain, l’ostension de la couronne d’épines de Notre-Dame de Paris, les œuvres effacées, les boîtes de conserve dans l’art des années 1960, entre autres. Elle a envoyé de la critique d’art sous enveloppe rouge cousue à la main à divers·es correspondant·es, a rédigé la biographie d’Ophélie Demurger dans le plus pur style d’une prête-plume obséquieuse, a demandé à une cartomancienne de lui tirer l’avenir de l’art contemporain. Elle vient de publier Couper à travers les ronces (2021) aux éditions Sombres torrents.

Recherches en cours : livres d’or d’expositions, ratages de la critique d’art, chewing-gum, scène artistique castelroussine, techniques de forge, artothèques, bombe atomique, petites énergies, irreproductibilités, ateliers d’artistes, œuvres en convalescence…

Titulaire d’une licence en Histoire, de masters en Histoire de l’art et en Médiation culturelle, ainsi que d’un doctorat en Histoire de l’art, Adriana Pena Mejia mène des recherches sur la contribution féminine à l’art colombien moderne et contemporain, les transferts de savoirs artistiques entre l’Amérique latine et l’Europe après 1945 et la construction identitaire des artistes sous le prisme du genre et de la couleur de peau. Parmi ses articles : L’hystérie des hystériques : Feliza Bursztyn, une Colombienne étant passée par Paris pendant les années 1950 et 1960 (Les arts à Paris après la Libération 2019), Negra menta : por un reconocimiento a la mujer afrocolombiana (Artelogie 2016) et Historia de la escultura moderna y de los viajes culturales de artistas colombianos a París después de 1945 (Historia Crítica 2015).

Patrizio Peterlini est actuellement directeur de la Fondazione Bonotto. Il est diplômé en littérature moderne et en psychologie clinique et titulaire d'un D.E.A. en « Psychanalyse Concept et Clinique » (avec une thèse en psychanalyse et art contemporain). Il est psychanalyste et professeur de psychologie de l’art à l’Academia Santa Giulia de Brescia. De 2005 à 2010, il a travaillé aux Archives F. Conz, où il a organisé le catalogage des œuvres et des documents et a pris en charge les expositions et les publications. Ses contributions sont publiées dans de nombreux catalogues d’art et revues de psychanalyse. Parmi ses publications : Riviste d'arte d'avanguardia. L'esoeditoria in Italia negli anni 60 e 70" (avec Giorgio Maffei, 2005) ; Sarenco : le riviste, la lotta. Storia di un esploratore d'avanguardia (2006) ; Poesia visiva in Italia (avec Achille Bonito Oliva, 2014) ; Fluxbooks. Fluxus Artist Books from the Luigi Bonotto Collection (avec Giorgio Maffei, 2015) ; Arrigo Lora Totino. La parola come poesia segno suono gesto. 1962-1982 (avec Giorgio Maffei, 2015) ; Sense Sound / Sound Sense. Fluxus music, scores and records in the Luigi Bonotto collection (avec Walter Rovere et Giorgio Maffei, 2016). En collaboration avec Piero Matarrese, il réalise les films La Perf En Fin. La recherche de Julien Blaine (2008) et Around Poetry #1 (2015).

Sasha Pevak (né en 1988 à Moscou) est chercheur et curator indépendant qui vit et travaille entre Paris et Moscou. Doctorant contractuel et chargé de cours à l’Université Paris 8, il s’intéresse aux rapports entre l’art et le pouvoir et rédige actuellement une thèse intitulée « Le Corps de l’artiste comme lieu de résistance dans l’art soviétique et russe après 1974 », sous la direction du Prof. Jérôme Glicenstein. Diplômé de l’Université d’Etat de Moscou Lomonossov et de l’Université Paris-Sorbonne, Sasha Pevak a travaillé à « Monumenta » à Paris (2014) et au frac île-de-france, le plateau (2015). En 2016-2017, il a été membre du Comité de rédaction de la revue Marges. Entre 2015 et 2018, il a participé à de nombreux colloques et organisé des expositions en France et à l’étranger. Entre autres, en 2017 il a été co-curator de l’exposition « The Opposing Shore » à la 7e Biennale internationale d’art contemporain de Moscou, et en 2018 – de la Carte blanche de l’artiste Nikita Kadan à la Galerie Jérôme Poggi. Il a été curator invité en résidence au GENERATOR à Rennes (mars 2017), au CCI Fabrika à Moscou (septembre 2017) et à Thankyouforcoming/ACROSS à Nice (décembre 2017). En 2018, il a présenté un projet « to Michael » à DOC! (dans le cadre du festival Jerk Off , Paris, septembre 2018), ainsi qu’une exposition « The Border is a State of Mind » à la Galerie Jérôme Poggi et à la FIAC en octobre-novembre 2018.

Diplômé de la Villa Arson en 2015, Jérémy Piette est artiste et journaliste. Il écrit pour les pages Culture de Libération pendant 3 ans (2016 – 2019) et continue à présent de collaborer de manière plus épisodique, afin de poursuivre en parallèle sa pratique artistique. Il a notamment écrit pour Vogue Hommes et les Cahiers du Cinéma.

Valérie Pihet développe une activité de recherche et d’expérimentation au croisement des arts et des sciences humaines et sociales. Elle a dirigé pendant cinq ans le programme d’Expérimentation en arts et politique (SPEAP), cofondé en 2010 avec le philosophe Bruno Latour dont elle est la collaboratrice depuis 2002.

Robert Pincus-Witten (1935 – 2018) était un critique et un historien de l’art moderne de nationalité américaine. On lui doit le terme de Post-minimalisme qu’il inventa en 1971. Il fut professeur à l’Université de New York et le rédacteur en chef de la revue Artforum, avant de se consacrer au commissariat d’expositions, notamment pour la Gagosian Gallery (East) et le C&M Arts (Mnuchin Fine Arts), à New York.

Madeleine Planeix-Crocker (née à Los Angeles, 1993) est une chercheuse franco-américaine basée à Paris. Elle est curatrice associée à Lafayette Anticipations où elle y a fondé les « Warm Up Sessions », un cycle de rencontres publiques et participatives autour des pratiques spontanées et expérimentales en performance. Au printemps 2021, elle propose la série « Dérives » qui souhaite contribuer à l’écriture de nouvelles histoires des arts au travers de dialogues co-construits avec des artistes contemporain·e·s. Ses intérêts se portent à la croisée de la recherche et de la curation de performances féministes, queer et intersectionnelles. Elle est également co-directrice de la Chaire “Troubles, Dissidences et Esthétiques” à l’école des Beaux-Arts de Paris et membre permanent du Conseil Scientifique de le Recherche de l’ESAD de Reims. Diplômée de Princeton University en études culturelles, elle a obtenu un Master spécialisé en Médias, Art et Création de HEC Paris et un M2 à l’EHESS. Elle y a porté un projet de recherche-création avec l’association Women Safe, où elle mène désormais un atelier de théâtre et d’écriture créative. Elle poursuit actuellement une thèse à l’EHESS (CRAL) autour des performances en commun contemporaines en France, et pratique la danse et le théâtre depuis l’enfance.

Armelle Pradalier est historienne de l’art. Elle a travaillé dans l’équipe curatoriale de la Dia Art Foundation de New York de 2000 à 2006. Elle fut ensuite Director of Visual Arts aux services culturels de l’ambassade de France aux Etats-Unis et responsable du programme Etant donnés pour l’art (2008-2012). Depuis octobre 2017, elle est responsable des expositions aux Beaux-Arts de Paris.

Membre fondateur de la revue Perpendiculaire, Laurent Quintreau travaille dans la publicité et dirige le Betor-pub, le syndicat cfdt de la nouvelle économie. Il est l’auteur d’un essai, de quatre romans et publie régulièrement des textes de réflexion sur l’actualité juridique, économique et sociale (journal Le Monde, revue esprit, revue cadres cfdt…). Il est aussi membre du jury GESTES (Groupe d’Etudes Sur le Travail et la Souffrance au Travail) pour le concours « Ecrire le travail » et réalise des interventions dans le champ universitaire. Son activité littéraire et théorique se nourrit des matériaux les plus hétéroclites qu’il brasse au cours de sa double expérience de salarié et de responsable syndical : réunion de onze cadres supérieurs autour d’une table où l’enfer, le purgatoire et le paradis qui délimitent les espace-temps à la façon de La Divine comédie de Dante (Marge brute, Denoël, 2006) ; chassé-croisé mystique où se rencontrent sages tibétains, cadres supérieurs, neurologues et artistes en quête d’expériences esthétiques radicales (Mandalas, Denoël, 2009) ; vie et mort d’une petite mouche qui traverse les espaces et les règnes (La chimie des trajectoires, Rivages, 2014) ; exploration de la manière dont le travail affecte la subjectivité (Le moi au pays du travail, Plein jour, 2015). Dans Ce qui nous guette, paru en avril 2018 (Rivages), dix personnages voient leur vie quotidienne basculer de plus en plus fort, selon une logique d’algorithmes fous et exponentiels.

Olivier Quintyn est né en 1978 à Porto Alegre (Brésil). Ancien élève de l’École Normale Supérieure (Fontenay/Saint-Cloud). Agrégé de lettres modernes. Il a enseigné l’esthétique et l’histoire de l’art à l’université Rennes II et enseigne dorénavant les lettres au lycée Jacques Monod de Clamart (Hauts-de-Seine). Il diffuse des dossiers et « documents poétiques » sur la géopolitique internationale depuis 1997 dans le cadre de son projet [S.V.P.] : publications en revue, livres collectifs, performances, posters, distributions de flyers dans l’espace public. Au sein de la cellule éditoriale Questions Théoriques, il anime la collection de philosophie « Saggio casino ». Il est en outre l’auteur de trois livres théoriques : Dispositifs/Dislocations. Essai sur le collage (Al Dante, 2007), Valences de l’avant-garde. Essai sur l’avant-garde, l’art contemporain et l’institution (Questions Théoriques, 2015), et Implémentations/Implantations : pragmatisme et théorie critique. Essais sur l’art et la philosophie de l’art (Questions Théoriques, 2017).

Bénédicte Ramade a soutenu son doctorat à l’Université Paris 1 Panthéon-Sorbonne, qu’elle a consacré à l’histoire de l’art écologique aux États-Unis (Les infortunes de l’Art écologique américain depuis les années 1960 : proposition d’une réhabilitation critique). Comme historienne et critique d’art spécialisée en art contemporain, elle se consacre depuis une quinzaine d’années à l’analyse des questions environnementales. En 2009, elle a commissarié l’exposition collective Acclimatation au CNAP de la Villa Arson (Nice) et dirigé le catalogue, une analyse des relations entre nature et culture. En 2010-2011, elle a consacré ses recherches curatoriales à l’idée du recyclage dans les pratiques artistiques contemporaines et produit Rehab, l’art de re-faire à la Fondation EDF (Paris). Récemment, elle a réalisé l’exposition et son catalogue The Edge of the Earth: Climate Change in Photography and Video, à l’invitation du Ryerson Image Centre à Toronto (14 septembre- 4 décembre 2016) qui explorait les dessous des apparences écologique de l’Anthropocène. Elle vit et travaille à Montréal, récipiendaire d’une bourse de recherche postdoctorale à l’Université de Montréal où elle est chargée de cours en Histoire de l’art.

Georgia René-Worms est diplômée de la Villa Arson en 2014. En 2016, elle intègre la formation aux pratiques curatoriales du Magasin à Grenoble. Entre 2016 et 2017, elle a mené une recherche sur les relations entre la scène artistique italienne des années 1960-1970 et les groupes militants féministes. Elle fait partie de la session 2017-2018 du post-diplôme de l’ENSBA Lyon. En 2019, elle est la première lauréate du programme Villa Champollion de l’Institut français au Caire (Égypte). Sa pratique est organique, multiple, et s’étend au-delà de la seule création artistique pour englober l’écriture et le commissariat d’exposition, multipliant les expériences autour de ses objets de recherche sous l’angle de la critique féministe. Dans ses travaux, l’enjeu principal est d’analyser le centre par la marge et de prendre en compte les pluralités de l’identité plutôt que sa seule valeur sociale. Ses textes s’inscrivent dans la lignée des New Narratives, écriture dans laquelle l’auteure s’efforce de présenter honnêtement son expérience subjective sans garantir un texte absolument objectif.

Camille Reynaud est diplômée de l’Ecole des Hautes Etudes en Sciences Sociales (EHESS) de Paris. Depuis deux ans, elle vit au Havre où elle explore d’autres formes d’écritures au sein d’un master de création littéraire. Deux projets ont ainsi vu le jour : un premier récit autobiographique sur le modèle de l’enquête sociologique, par aller-retour successifs entre individuel et collectif par la multiplicité des narrations et des histoires de vie, et le croisement de diverses sources documentaires – photographies, archives judiciaires, compte-rendus médicaux, données statistiques, témoignages et articles de presse ; un diptyque texte / image à l’intersection de l’œuvre de Vivian Maier avec des photos de famille et sa propre pratique photographique.

Camille Richert est diplômée de l’École normale supérieure de Lyon en histoire contemporaine. Ses premiers travaux de recherche en histoire sociale ont porté sur les femmes ouvrières dans l’entre-deux-guerres. Après un passage par l’École du Louvre, elle a débuté en 2016 une thèse de doctorat sous la direction de Laurence Bertrand Dorléac à Sciences Po – Paris où elle est chargée d’enseignement en histoire au Collège universitaire. Ses travaux de recherche portent sur les représentations du travail dans l’art depuis 1968. Dans la veine de l’histoire sociale de l’art, elle articule l’histoire de l’art à l’histoire, l’anthropologie ou la sociologie pour tisser une histoire visuelle des gestes et des émotions laborieuses depuis le déclin des idéologies politiques occidentales jusqu’à nos jours. Elle a, par ailleurs, exercé la fonction d’éditrice à Lafayette Anticipations – Fondation d’entreprise Galeries Lafayette (2014-2018), où elle a été en charge de la publication des premiers livres de l’institution et où elle a coordonné le projet ReSource, outil de documentation de la production en art contemporain. Critique d’art, elle collabore régulièrement avec différentes institutions publiques et privées ainsi que des revues. Cet article est sa troisième publication dans la revue Switch (on Paper).

Christian Rinaudo est sociologue, enseignant à l’université Côte d’Azur et chercheur à l’URMIS (Unité de recherche Migrations et Société). Ses recherches portent entre autres sur les productions et expressions des différences dans l’espace urbain, les dynamiques culturelles dans les sociétés multiethniques et, dans le contexte de globalisation, sur les phénomènes migratoires et processus d’altérisation. Ses travaux actuels portent sur l’articulation entre les dynamiques de mobilité/blocage des artistes (tension entre libre circulation et assignation à résidence) et les processus d’altérisation en Europe. Il dirige parallèlement l’une des composantes de l’université Côte d’Azur, l’École Universitaire de Recherche ODYSSEE (Origines et Dynamiques en Sciences de la Société et de l’Environnement), qui analyse les rapports entre la société et l’environnement sous l’angle de réflexions interdisciplinaires en sciences sociales et sciences de l’environnement.

Après une Licence à la Sorbonne puis un Master d’arts plastiques à l’Université de Saint-Etienne, Isabelle Rodriguez s’engage dans un second cycle à l’école supérieure des beaux-arts de Nîmes où elle obtient un Diplôme National Supérieur d’Expression Plastique en juin 2017 avec les félicitations du jury. Elle construit des récits qu’elle livre à l’oral, présentant des archives — photographies, films, actes d’états civils ou judiciaires — et racontant ses expéditions à travers l’Europe à la recherche des personnages oubliés de l’Histoire. Elle choisit d’explorer plus en avant son rapport à l’écriture en intégrant le Master de Création Littéraire du Havre, cohabilité par l’Université et l’ESADHaR. Aujourd’hui et dans ce cadre, elle travaille à l’écriture d’un roman qui raconte, entre autre, comment un orphelinat a été complètement décimé par la grippe espagnole, tout en continuant son travail plastique dans son atelier havrais.

Après des études de philosophie, Mathilde Roman obtient un Doctorat en Arts et Sciences de l’Art, Univ. Paris 1 Sorbonne. Elle est l’auteur de : On stage. La dimension scénique de l’image video, éd. LEGAC PRESS, 2012 et Art video et mise en scène de soi, éd. L’Harmattan, 2008. Elle a aussi dirigé l’ouvrage Corps et images. Oeuvres, dispositifs et écrans contemporains, aux éditions Mimésis en 2017. Elle enseigne au Pavillon Bosio, Art&Scénographie, Monaco. Critique d’art, elle est trésorière d’AICA International. Elle mène aussi des projets de commissariat, comme Danse, Danse, Danse, Nouveau Musée National de Monaco, 2016, Plein écran, La Station, Nice, 2016, MOVIMENTA, Biennale de l’image en mouvement à Nice en 2017 et, en 2018, Performance TV à la Maison d’Arts Bernard Antonioz à Nogent sur Marne.

After spending about equal amounts of time in the academic world and the art world, K. Lisa Schiff has shifted from seeking hybrid genres — a dissertation about artists’ books; artworks using text — to pursuing writing and artmaking separately. She has terminal degrees in both fields: a Ph.D. in Comparative Literature and Literary Theory (with a Graduate Certificate in Women’s Studies, University of Pennsylvania), and a M.F.A. in Studio Art (with Honors in Drawing, School of the Museum of Fine Arts / Tufts University). Various projects about Agnes Martin preceded her current research on Picasso. She has published in Art in America, Art Journal, Hyperallergic Weekend, Tate Etc., and other venues, and she has been a member of the International Association of Art Critics (AICA-USA) since 2013. Her recent solo exhibition of small drawings, at the Nano Gallery in Washington, DC, was called Out of Joint.

Karol Sienkiewicz est critique et historien de l’art. Il a dirigé plusieurs ouvrages collectifs consacrés à l’art contemporain polonais. Il est notamment l’auteur de Zatańczą ci co drżeli. Polska sztuka krytyczna (Ceux qui ont tremblé danseront. L’art critique polonais, 2014). Il est lauréat du prix de la critique d’art Jerzy Stajuda (2012). Il publie dans diverses revues culturelles, dont Dwutygodnik.

Passé sur les bancs de l’Ecole Centrale et d’HEC, Julien Sipra travaille dans une agence de publicité où il imagine des histoires racontées par des dispositifs numériques. Il participe également à la rédaction du rapport Hearn sur « le développement de l’entrepreneuriat dans le secteur culturel en France », commandé par les ministres de la Culture et de la Communication et de l’Economie. Puis il rejoint Sciences Po et l’école des arts politiques fondée par Bruno Latour où, répondant à une commande du Conseil National du Numérique, il travaille sur les effets des calculs algorithmiques, les réseaux sociaux qui s’établissent autour et au travers d’un algorithme et les formes et modalités d’activisme à l’ère des plateformes numériques. Désormais, il s’intéresse aux cultures du numérique, aux transformations que les technologies de l’information et de la communication provoquent et à leurs conséquences individuelles et sociales. Son intégration récente dans deux célèbres sociétés de livraison à vélo tient autant de l’enquête anthropologique que de la performance artistique.

Giuseppe Stilo étudie les pseudosciences selon une méthode historiographique. Il a publié plusieurs volumes sur la naissance du mythe des soucoupes volantes. Il collabore aussi régulièrement avec le CeRaVoLC italien, qu’il a cofondé en 1990. Membre actif du CICAP (Comité italien d’enquête sur les allégations des pseudosciences), il codirige avec Sofia Lincos deux rubriques sur l’histoire des phénomènes « mystérieux », la première pour Query Online, la seconde pour le site de la branche du CICAP pour la région du Piémont.

Ewa Sułek is an art historian, curator, writer and researcher. She studied art history at the University of Warsaw and the University of Cambridge. Her main research interests include contemporary Ukrainian art and relationships between art and politics. She is currently working on her PhD thesis about contemporary art spaces in Kyiv, carried out at the Academia Copernicana, interdisciplinary doctoral school at the Nicolaus Copernicus University in Toruń, in collaboration with the University of Cambridge Ukrainian Studies. Author of the book Chłopak z pianinem. O sztuce i wojnie na Ukrainie (The boy with the piano. On art and war in Ukraine, PWN, Warsaw 2018). She has also published short stories, and her most recent work is a theatre play about the absurdities of war in Donbas, Animals Who Ate Their Humans, premiered at the Corpus Playroom of the ADC Theatre in Cambridge in 2020. Together with artist Paweł Zaręba, she founded and runs the Lescer Art Center in Zalesie Górne near Warsaw.

Samon Takahashi est un artiste plasticien et un musicien vivant à Paris, France. Il est membre fondateur du laboratoire itinérant OuUnPo [2009-2015], membre fondateur du groupe de musique improvisée GOL depuis 1989 et anime l’émission Epsilonia sur Radio Libertaire (Paris) depuis 1993. Depuis 2015, il poursuit des recherches entre neurosciences et musique au sein de 1+1=3. Il expose ou se produit dans les grandes capitales comme dans les villages les plus reculés.

OUUNPO

GOL

Epsilonia

1+1=3

Fadi Toufiq est écrivain et artiste, né à Beyrouth en 1975. Ses œuvres utilisent une multiplicité de mediums, livres, vidéos et performances. Dans sa pratique artistique, il s’intéresse tout particulièrement à déconstruire les grands récits en recomposant des événements fragmentés, aussi près que possible de la façon dont ils se déroulent et frappent ceux qui en font l’expérience directe. Ses performances et installations artistiques ont été montrées dans différentes institutions ou événements à travers le monde, comme le MUMOK, Musée d’Art Moderne de Vienne en Autriche, le Centre chorégraphique de Rennes en France, la biennale Performa à New York.

Anysia Troin-Guis est docteure en littérature générale et comparée (Aix-Marseille Université) et professeure certifiée de lettres modernes. Sa thèse, soutenue en 2017, est intitulée Pratiques et poésies expérimentales de 1960 à 1980 : enjeux esthétiques, éthiques et politiques. Lauréate d’une bourse de recherche postdoctorale financée par la Fondation pour la Mémoire de la Shoah pour ses travaux sur les relations entre art contemporain et violences historiques, elle poursuit une activité de critique d’art et contribue régulièrement à des revues spécialisées. Elle a participé à différents ouvrages collectifs scientifiques et est membre du collectif Migrations et altérité, un espace d’échange transversal et interdisciplinaire menant une réflexion sur les dispositifs de recherche-action et alternant séminaires et workshops à Aix-Marseille Université. Elle a organisé différents événements scientifiques (Aix-Marseille Université et Université Paris III – Sorbonne Nouvelle) et a coordonné l’édition de plusieurs numéros de la revue scientifique, Les Chantiers de la création, pour laquelle elle a été éditorialiste pendant deux ans. Ses recherches portent sur la création contemporaine, poétique et artistique, principalement dans ses enjeux historiques, politiques et éthiques.

Colette Tron est auteur et critique. Directrice artistique d’Alphabetville, laboratoire des écritures multimédia. www.alphabetville.org.
Impliquée depuis près de vingt ans dans une pratique et une critique des arts et des technologies, notamment numériques, elle expérimente et explore les formes, les singularités, les hybridations qui y sont à l’œuvre. Dans la perspective manifeste de constituer un espace public critique, les champs de recherche et de création tentent des articulations entre arts, technologies et culture, ainsi que la conception de nouvelles approches pratique(s) et théorique(s) de l’art et de la culture. Colette Tron a dirigé deux ouvrages et publié de nombreux articles.

Après un diplôme en Science Politique obtenu à l’Université Paris 1 Panthéon – Sorbonne en 2010, Nicolas Vaquier se spécialise en Ingénierie des Organisations Culturelles. Il travaille comme journaliste pigiste pour divers quotidiens et magazines, puis fonde en 2012 la revue d’actualité culturelle en ligne La Grande Bouche dont il deviendra directeur de publication. Il participe également à l’éclosion du projet InaGlobal, Webrevue bilingue de l’Institut national de l’audiovisuel (INA), dont il devient secrétaire de rédaction et contributeur régulier. Il a en outre travaillé comme traducteur de presse pour le quotidien italien Il Secolo XIX, et comme chargé de projets au côté d’un député européen transalpin. Il est aujourd’hui directeur adjoint du lieu d’art contemporain Espace A VENDRE à Nice.

Dejan Vasić est un critique d’art et un conservateur indépendant basé à Belgrade, en Serbie, qui travaille actuellement comme conservateur du programme d’arts visuels au Center for Cultural Decontamination de Belgrade. Il est co-éditeur de Beton (kit de propagande culturelle) et membre actif de l’AICA Serbie. Dans le passé, il a été membre du collectif Kontekst (2009-2013), de la plateforme de conservation de la culture de la mémoire (2010-2014) et du groupe de travail « Les quatre visages d’Omarska » (2010-2015). Il s’intéresse à l’art en tant que pratique critique et politique, et à l’affirmation de la pensée critique en tant que bien public. Ses projets de recherche et de conservation ont été présentés dans le cadre d’événements publics et d’expositions (sélection) : Gathering Around the Wreckage, Oliver Ressler exposition personnelle (Centre culturel de Belgrade, 2020) ; Art as Critics and Politics (Centre CZKD 2017-en cours) ; Performance, Performativité et Document (Galerie SULUV, Musée d’art contemporain de Voïvodine, 2018) ; Four Faces of Omarska (Dokufest, Prizren 2014 ; Forensis, HKW, Berlin 2014 ; Salon d’octobre, Belgrade 2013 ; Galerie d’art contemporain, Sarajevo 2013 ; Urban Festival, Zagreb 2012 ; Center for research Architecture, Goldsmith University of London, 2012 ; Museum of Contemporary Art Belgrade, 2010 ; Biennale SpaPort, Banja Luka, 2010) ; The Culture of Memory (GPL Contemporary, Vienne 2014 ; Gallery PM, HDLU Zagreb 2014 ; Mediterranea 16, Young Artists Biennial, Ancône 2013 ; Biennale des arts visuels, Pančevo 2012 ; Centre culturel, Šabac 2010).

Julien Verhaeghe est docteur en Esthétique de l’Université Paris 8 et titulaire d’un DNSEP obtenu aux Beaux-arts de Paris-Cergy. Ses recherches ont porté sur la relation entre Esthétique et Contemporain, ce qui lui a permis d’interroger la proximité qu’entretient l’esthétique avec d’autres champs comme la sociologie, l’histoire ou l’anthropologie. Il s’est notamment intéressé à des pratiques où intervenaient des notions de cartographie, de collectif et de déplacement. Un ouvrage intitulé Art & Flux. Un portrait du contemporain a été publié en 2014, et Photographie, Media et Capitalisme en 2009, co-dirigé avec François Soulages. Il développe depuis quelques années une activité de critique et de commissaire d’exposition, notamment en créant en 2018 la revue Possible consacrée à la pratique de la critique d’art et à la mise en place d’événements permettant de la mettre en situation. Il est nommé en 2019 pour le prix AICA-France de la critique d’art, en présentant le travail du duo Galerie Rezeda. Il enseigne l’esthétique à l’Université catholique de l’Ouest à Angers et à l’École Camondo à Paris.

Marek Wasilewski donne des conférences à l’Université des arts de Poznań. Depuis 2017, il est directeur de la galerie municipale Arsenal à Poznan. Il est membre de l’AICA. Dans les années 2000-2017, il a été rédacteur en chef du magazine culturel bimestriel Time of Culture. Il a publié dans des revues telles que Art Monthly, Springerin, PAJ: A journal of Performance and Art, the International Journal of Education and Art, and Art, Design & Communication in Higher Education.

Christian Xatrec vit à New York. Sa pratique artistique est théorique pour l’essentiel, affranchie de toute préoccupation commerciale. Il est directeur de la Emily Harvey Foundation (New York/Venise) où depuis 2004, il développe une programmation expérimentale et collective, loin des réseaux officiels et institutionnels du monde de l’art. Il a été avec Julia Robinson le co-commissaire de l’exposition “± I96I – Founding the Expanded Arts” au Musée Reina Sofia, à Madrid en Juin 2013. Il a édité deux livres de Henry Flynt: Three Essays on Spirituality and Art, 2020, Joao Simoes Publisher, Lisbon, et plus récemment Ruinous Spirituality (sortie prévue en décembre 2021). Il est le co-commissaire avec Alice Centamore de l’exposition “Something Else Press/Intermedia” qui ouvrira au Reina Sofia en novembre 2022.

Wang Yang est un photographe chinois, né à Shanghaï le 21 Avril 1986. En 2009, il sort de l’Université normale de Shanghai avec une licence spécialisé en peinture à l’huile. Il se rend alors en France, où il apprend le français pendant deux années, avant de poursuivre son cursus artistique à l’École supérieure d’art et de design de Valenciennes. C’est alors qu’il s’initie à la photographie jusqu’à l’obtention de son DNSEP en 2017 à l’École nationale supérieure d’art de Dijon. Depuis, sélectionné par l’École nationale supérieure d’art de Nancy, Wang Yang participe au programme de post-diplôme Offshore, délocalisé à Shanghai et s’empare de cette opportunité pour poursuivre son projet de photographie sur sa ville natale.

Shingo Yoshida a été diplômé de l’Ecole Nationale Supérieure d’Art de la Villa Arson à Nice, France en 2004, avant d’obtenir le post-diplôme de l’Ecole Nationale Supérieure des Beaux-Arts de Lyon, France en 2005, suivi d’un autre post-diplôme obtenu dans le cadre du programme La Seine de l’Ecole Nationale Supérieure des Beaux-Arts de Paris. Son travail a fait l’objet de nombreuses expositions internationales, au Palais de Tokyo, Paris, au Musée d’Art Con-temporain MAC de Santiago du Chili, Arte tv Creative ou encore based in Berlin de Klaus Biesenbach, Christine Macel et Hans Ulrich Obrist. En 2017, il a été invité à présenter ses films et photographies réalisées en Sibérie par les Nations-Unies dans le cadre de la COP 23. Ses œuvres sont en dépôt dans la collection d’art du Ministère de l’Environnement en Allemagne et ont fait l’objet d’acquisitions de la part des musées de Berlin, Berlinische Galerie, Akademie des Künste, Fluentum.

Elvan Zabunyan est historienne de l’art contemporain, critique d’art et professeure à l’université Rennes 2, où elle a dirigé le Master Métiers et Arts de l’Exposition de 2002 à 2019. Ses travaux croisent les problématiques raciales, postcoloniales et féministes, ainsi que l’histoire politique et culturelle des États-Unis en lien avec l’engagement artistique depuis les années 1960. Elle a publié un ouvrage pionnier sur les arts visuels africains-américains, Black is a color, une histoire de l’art africain américain (Dis Voir, 2004), ainsi que la première monographie de l’artiste coréenne-américaine, Theresa Hak Kyung Cha, Theresa Hak Kyung Cha – Berkeley – 1968 (Presses du réel, 2013, à paraître en anglais fin 2020). Elle a codirigé des ouvrages, écrit de nombreux articles pour des recueils, des catalogues d’exposition et des périodiques, parmi lesquels Adrian Piper (MoMA, 2018), Ellen Gallagher (WIELS, 2019), LaToya Ruby Frazier (MUDAM, 2019), Kehinde Wiley (Templon, 2019), « The Muted Sound of Speaking Silence » (Kunsttexte.de, 2020), « Lorna Simpson : Hearing Images » (InSITE, 2020). Elle vient de codiriger le dossier « Pratiquer l’histoire par les arts contemporains » de la revue Esclavages et Post-esclavages (CIRESC/CNRS), mai 2020. Elle contribue régulièrement à la revue Critique d’art et au quotidien AOC media.

Julien Zerbone est intervenant, historien et critique d’art, et collabore régulièrement à des revues telles que 303, Critique d’art, 02 ou La Belle Revue. Il s’intéresse tout particulièrement aux croisements entre arts et mouvement social, à leurs formes et institutions. Il poursuit actuellement une recherche autour de René Vautier et de ses engagements au côté des luttes de travailleurs.

Çiğdem Zeytin, née en 1981 à Krefeld (Allemagne), est une critique d’art qui vit et travaille à Istanbul. Elle a étudié à l’Université Anadolu en Sciences de la Communication, Département Publicité, Relations Publiques et obtenu une maîtrise de l’Institut des Sciences Sociales, Département Science de l’Art, Théorie des Beaux-Arts et Critique d’Art. Elle travaille aujourd’hui comme critique d’art indépendante, en relation avec des artistes de Turquie et du monde entier. Elle est membre de l’association Body Processing Art et d’amberPlatform. Elle fait partie depuis 2018 de l’AICA International et participe aux activités de l’Association en qualité de membre du Conseil d’Administration.

Ancienne élève de l’Ecole Normale Supérieure de Lyon, Estelle Zhong Mengual est docteure en histoire de l’art. Elle a effectué sa thèse à Sciences-Po Paris, sous la direction de Laurence Bertrand Dorléac.

Marion Zilio est théoricienne, critique d’art et commissaire d’exposition indépendante. Docteure en Esthétique, Sciences et Technologies des Arts de l’Université de Paris 8 Vincennes-Saint-Denis, elle est l’auteure de Faceworld. Le visage au 21^e siècle (PUF, 2018 ; Polity Press, 2020) et Le livre des larves (PUF, 2020). Elle est enseignante-chercheuse à l’Université de Paris 8 dans l’UFR Art, Philosophie et Esthétique et a été professeure invitée à l’École de Cinéma de Téhéran, afin d’animer un séminaire sur la critique et l’art contemporain. Elle a participé à plusieurs ouvrages collectifs scientifiques, mais aussi à des monographies et des catalogues d’exposition. En tant que critique d’art, elle collabore régulièrement avec des revues spécialisées et a cofondé plusieurs espaces de critiques expérimentales. Comme curatrice, elle a organisé des expositions en France et à l’étranger pour des galeries, des centres d’art, des fondations ou des institutions, parmi lesquels le lieu unique à Nantes (2018), le B’Chira Art Center en Tunisie (2018), Bandjoun Station au Cameroun (2017), la Villa Arson à Nice (2017), Le Carrousel du Louvre (2015)… En 2016, elle a été nommée directrice artistique de la Young International Art Fair, où elle travaillait en dialogue avec le réseau Marais Culture + (Musée Picasso, Archives nationales, Musée des arts et métiers, Maison européenne de la photographie, Musée Cognacq-Jay, Cité Internationale des Arts).